Hangover Music

Alcest - Les Voyages De L'Âme

2012-01-20T22:12:00.024-03:00

Ano de lançamento: 2012

Há cinco anos, o "Alcest" debutava com "Souvenirs D'un Autre Monde". Desde então, o solitário projeto, do músico francês Niege, cresceu; mais um álbum foi lançado - o bem aceito "Ecailles de lune" (2010) -, turnês foram agendadas, uma base global de fãs/ admiradores fora conquistada e, indubitavelmente , o "Alcest" tornou-se o mais próximo de ser, de fato, uma banda.

Não que Neige tenha dividido suas composições; afinal, ele ainda continua a mente produtiva das músicas do "Alcest" compondo e gravando quase todos os instrumentos - apenas a bateria ficara a cargo de outro músico (Winterhalter).

Nas oitos faixas que compõe "Les Voyages De L'Âme", temos um mix de todos os elementos presentes na carreira da banda, que variam desde a psicodelia e melancolia do shoegaze/ post-rock ao desespero do black metal.

Verdade seja dita: o som do "Alcest" nunca foi de fácil assimilação, seja pelo idioma das letras (francês), ou pelas inúmeras variações ao longo das canções. Todavia, a primeira faixa do disco ("Autre Temps") obtem êxito em algo que o "Alcest" não havia conseguido em músicas dos discos anteriores: ser uma composição acessível, um single. Além da acessibilidade, "Autre Temps" é interessante em sua totalidade e consegue agregar diversos elementos característicos a banda.

Cena do clipe de "Autre Temps"

Tais fatos justificam sua escolha para o primeiro video-clipe do projeto; é uma verdadeira "representação gráfica" da música do "Alcest". Apesar do refrão soar um pouco piegas e previsível - afinal, 'estamos acostumados com um banda não usual' -, os versos mostram o quanto o trabalho vocal de Neige evoluiu e as melodias, como de praxe, seguem belas, melancólicas e, principalmente, nostálgicas - atente a introdução e o momento em que a primeira linha de baixo surge.

"Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles", a segunda música do disco, apresenta grandes variações e passagens em seus quase nove minutos de duração. Os vocais guturais de Niege surgem de forma espontânea, dando dinâmica a composição.

A sétima faixa do álbum, a excelente "Faiseurs De Mondes", possui uma estrutura similar a música anteriorimente comentada e, além de sua ótima finalização - extrema e melódica -, também destaca-se pelo seu sublime interlúdio 'limpo' - um tipo de passagem que Neige sempre compôs com maestria, a propósito. O constante contraste entre as passagens das composições citadas - ora 'angelicais', ora agressivas - remeterá, ao ouvinte experiente, o ótimo "Ecailles de lune".

Ainda constam no disco pérolas como a 'viajante' faixa-título - com excelentes partes de canto -, "Nous Sommes L'Emeraude" - boa, mas um pouco inexpressiva no contexto - e a belíssima "Summer's Glory" - atente a sua conclusão que é, simplesmente, um dos melhores momentos de "Les Voyages De L'Âme". Provavelmente, essas três farão alguns ouvintes (familiarizados com a banda) lembrarem-se dos momentos mais 'introspectivos' e psicodélicos de "Souvenirs D'un Autre Monde".

As 'surpresas' ficam por conta das faixas "Being of the Light" - uma longa e inesperada instrumental - e "Havens" - também instrumental, porém breve -; sendo esta última, além de bela, responsável por fazer uma boa 'transição' para a épica e última obra do disco, "Summer's Glory".

"Les Voyages De L'Âme" pode ser resumido - e representado - em uma só palavra: evolução; afinal, Niege conseguiu reunir e harmonizar - com ajuda da excelente produção, obviamente - todos os elementos que já havia trabalhado.

O "Alcest", aos poucos, torna-se um fenômeno; sua música pode agradar tanto os ouvintes de vertentes mais extremas do metal, como fãs do experimentalismo do post-rock, por exemplo.

Todavia, "Les Voyages De L'Âme" não é um álbum perfeito e apresenta falhas, sendo a similaridade entre as músicas e o trabalho do tracklist em si, alguns dos exemplos. Pode parecer um mero detalhe, porém o disco, apesar da dita evolução nas composições, não flui tão facilmente e de forma coesa como um "Souvenirs...". Ou seja, pode cansar o ouvinte experiente e, inclusive, afastar um ouvinte casual. Apesar desses detalhes, individualmente, as faixas soam muito bem e, por mais estranho que pareça, esta é a forma como eu aconselho ouvir o álbum: absorvendo gradativamente cada composição.

Esperemos o próximo passo.

Nota:
8,5

Músicas-chave:
"Summer's Glory" ; "Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles" ; "Falseurs de Mondes"

Formação:
Neige - vocais, guitarra, baixo e sintetizadores
Winterhalter - bateria

Tracklist:

1.	Autre Temps	05:50
2.	Là Où Naissent les Couleurs Nouvelles	08:50
3.	Les Voyages de l'Âme	07:00
4.	Nous Sommes l'Emeraude	04:20
5.	Beings of Light	06:11
6.	Faiseurs de Mondes	07:57
7.	Havens	02:11
8.	Summer's Glory	08:05

[discografia comentada] Death

2012-01-10T02:51:00.012-03:00

Há 10 anos, no dia 13 de dezembro de 2001, em meio a uma forte pneumonia - cujos danos foram intensificados devido a um corpo fragilizado por um tumor cerebral - morrera um dos artistas mais representativos da música pesada.

Através deste post, tentarei - tentarei, pois é uma árdua tarefa, convenhamos - comentar a discografia do "Death"como forma de homenagem a um dos músicos mais intrigantes que o heavy metal já vira, Chuck Schuldiner.

Utilizando o "Death" como seu principal catalisador musical, Schuldiner foi um dos principais responsáveis por elevar a música pesada, tanto em sua terra natal (Estados Unidos) como em todo o mundo, a um novo nível. Um nível ainda mais agressivo, mais extremo que nunca. Nível este que ganhou a alcunha - apesar do desprezo que Schuldiner nutrira pela rotulação musical - de Death Metal.

Com o passar do tempo, o "Death", verdade seja dita, se transformou em uma espécie de projeto solo de Chuck Schuldiner; mesmo que dividisse a companhia de ótimos músicos - ao menos no sentido musical e técnico, eram -, as composições, os detalhes e a palavra final pertencera sempre a seu líder. Logo, partindo desse príncipio - ou seja, sabendo que Chuck é o 'engenheiro' do som do "Death" -, que deve-se tentar compreender a obra da banda.

Foto de divulgação do álbum "Individual Thought Patterns", de 1993.

No que tange a discografia oficial, que compreende sete álbuns de estúdio e dois registros ao vivo, o "Death" possui uma das mais singulares na história do heavy metal; há uma nítida evolução em cada lançamento, seja nas letras, no instrumental, em arranjos ou nos detalhes de produção. O "Death" não seguiu tendências, apenas evoluiu, tal como Chuck crescia como músico e pessoa, sendo, portanto, um reflexo musical do que Chuck era.

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#1 - Scream Bloody Gore (1987)

Tendo as guitarras, vocais e o baixo gravados por Chuck Schuldiner - Chris Reifeirt fora responsável pela bateria -, "Scream Bloody Gore" apresenta o "Death" em sua forma mais crua e agressiva possível. Apesar das faixas não apresentarem muitas variações, em estrutura, e ser perceptível a similaridade entre os riffs mais rápidos, o álbum consegue prender o ouvinte, principalmente, por causa dos seus refrões - ouça "Denial of Life" e "Zombie Ritual" - e riffs grudentos - vide "Infernal Death" e "Land of No Return".

Em contrapardida, músicas como "Baptized in Blood" e "Torn to Pieces" exibem esqueletos do que seria o death metal em seu formato mais tradicional, além de serem 'belos' exemplos da agressividade transmitida pelo vocal gutural de Schuldiner. Influências de bandas como "Slayer", "Black Sabbath" e "Venom" são notórias nos primeiros riffs de Chuck.

O debut do "Death" diferenciou-se de outros pioneiros do gênero - como o 'Seven Churches' (1985), do "Possessed" - por possuir, além da rapidez e crueza aliada a riffs "arrastados", elementos melódicos comuns ao heavy metal tradicional. Exemplos? As introduções melódicas, uma das grandes características da banda - algo que viria a ser mais exploradas no futuro, a propósito -, de "Evil Dead" e "Zombie Ritual" exemplificam isso. Os solos, especialmente o de "Scream Bloody Gore", já mostravam uma orientação diferenciada - principalmente se compararmos aos leads, digamos, mais 'despojados' comuns ao gênero.

Liricamente, "Scream Bloody Gore" apresenta o trabalho mais simplório do "Death", pois as letras são baseadas em filme de terror e, no geral, possuem temática totalmente gore, em oposição a 'veia filosófica' que posteriormente marcaria as composições de Schuldiner. "Scream Bloody Gore" marcou, principalmente, por ser um dos primeiros passos do death metal e o início de um músico ainda jovem.

Músicas-chave:

"Evil Dead" ; "Zombie Ritual" ; "Denial of Life"

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#2 - Leprosy (1988)

Após o primeiro 'soco no estômago', o "Death" viria a ter em "Leprosy" sua primeira tentativa de tornar-se, de fato, uma banda. Um ano fora o suficiente para surgir uma significativa evolução no som do grupo, seja nas letras - em "Pull the Plug" e "Forgotten Past" Chuck disserta, pela primeira vez, sobre questões existenciais e espirituais, por exemplo - ou no instrumental - composições como "Leprosy" e "Open Casket" possuem estruturas bem mais complexas em relação ao primeiro disco. Os solos, agora divididos entre Rick Rozz - um antigo colega de Schuldiner -, variam entre o senso melódico de Chuck e os 'devaneios de alavanca' de Rozz, sendo facilmente distinguivéis até pelo ouvinte menos experiente.

Todavia, a agressividade não diminuiu em nada; "Leprosy" soa ainda mais brutal que "Scream Bloody Gore" e, se é que isso seja possível, têm vocais ainda mais doentios - no bom sentido - de Mr. Schuldiner. Por exemplo, faixas como "Left to Die" e "Born Dead" apresentam interpretações extremas e 'agoniantes' de Chuck.

A adição de linhas "menos padronizadas" de bateria - se comparadas com o seu antecessor -, realizadas por Bill Andrews, também contribuiram para a evolução da banda. Contudo, o trunfo do disco segue sendo os riffs de guitarra que soam ainda mais pesados e memoráveis. Em minha opinião, "Leprosy" é um exemplo do que é o estilo em sua essência; afinal, ele exibe todas as características do death metal old school.

Músicas-chave:

"Choke On It" ; "Pull The Plug" ; "Forgotten Past"

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#3 - Spiritual Healing (1990)

Em seu terceiro disco, Schuldiner divide, pela primeira vez, as seis cordas com um outro grande músico, James Murphy. Além dos excelentes solos, a adição de Murphy permitiu que Chuck melhor explorasse os duetos de guitarra, honrando suas raízes do heavy metal tradicional - vindas de bandas como "Iron Maiden" e "Mercyful Fate"-, e fizesse um maior uso das melodias. Contrariando o senso comum, a banda soa ainda mais pesada do que em "Leprosy". A faixa-título, por exemplo, seguiu como uma das melhores introduções criadas por Chuck, além de contar com um riff tão macabro que consegue transmitir a raiva da sua letra falsos pregadores.

Melódico e pesado ao mesmo tempo, tal combinação seria uma espécie de padrão para as composições de Chuck. Em "Spiritual Healing" faixas como"Within the Mind" e "Defensive Personalities" representando bem esse conceito.

Nesse registro as letras são de cunho altamente social, em meio aos riffs pesados e urros em "Living Monstrosity", "Low Life" e "Genetic Reconstruction", por exemplo, estão críticas severas e reflexivas sobre o sistema e o ser humano em si. Recomendo ao ouvinte que acompanhe as letras durante a audição, especialmente dessas citadas, pois elas são ótimas. Não é a toa que sempre lembro das letras ao falar dessa banda.

Este álbum é um 'divisor de águas' na carreira da banda e aponta, de vez, a direção musical que Chuck Schuldiner seguiria daqui para frente: um som pesado, técnico 'recheado' com letras significativas . Em meio a tantos clássicos, infelizmente, "Spiritual Healing" é um dos menos lembrados na discografia do "Death".

Músicas-chave:

"Spiritual Healing" ; "Within The Mind" ; "Defensive Personalities"

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#4 - Human (1991)

Após desentendimentos sobre a direção musical da banda com alguns membros - que formaram o "Massacre" com um antigo guitarrista, Rick Rozz -, Chuck já havia desistido de trabalhar o "Death" como uma banda com decisões coletivas. A solução foi atuar com músicos contratados, de acordo com o propósito e direcionamento que ele (Chuck) daria as suas composições. O "Death", em "Human", teve uma de suas melhores formações. Explico: além de iniciar a duradoura amizade com o exímio baixista Steve DiGiorgio (do "Sadus"), Chuck contou com os excelentes músicos Sean Reinert (bateria) e Paul Masvidal (guitarra) - ambos, após dois anos, gravariam o clássico "Focus" com o "Cynic".

"Human" elevou o nível técnico das composições do "Death" a um novo patamar porque dessa vez não apenas as guitarras guiaram as músicas: bateria e o baixo ganharam um papel de suma importância no som da banda. Provas? Confira "Flattening of Emotions" - com uma intro de bateria de cair o queixo - e porradas como "Vacant Planets" e "Together As One". A faixa instrumental "Cosmic Sea", que contou com um pequeno solo de baixo de Scott Karino, sela o nível de técnica - sempre a serviço da compasição, bom lembrar -, e peso que a banda atingira.

Mais uma vez, a forma de escrever de Schuldiner evoluiu, pois as letras tornaram-se 'menos ácidas' e mais filosóficas. Nesse registro, o "Death" também produziu o seu primeiro videoclipe, "Lack of Comprehension" foi a escolhida e manteve-se como um dos maiores clássicos da banda. Infelizmente, depois de "Human", Schuldiner mudou - ou teve que trocar- gradativamente o estilo de seus vocais guturais. Saliento que TODAS as composições são excelentes e mantém o nível alto até o fim do disco.

Enfim, "Human" é um dos melhores e mais essenciais álbuns da banda. Entretanto, a mixagem original do disco não foi muito feliz; escondeu as excelentes linhas de baixo de Steve DiGiorgio, portanto, é recomendável que se ouça a versão remasterizada ( lançada em 2011) e que, finalmente, faz jus ao trabalho desse incrível baixista.

Músicas-chave:

"Lack Of Comprehension" ; "Secret Face" ; "Suicide Machine"

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"As emoções tomam conta da vida diariamente

Variações imprevisíveis de comportamento

Guardam a chave para a porta mental
Onde nada é tudo
E tudo é nada
Olhando além da parede
Milhões e milhões de vezes"

- Nothing is Everything

"Onde está a linha invisível
Que devemos traçar para criar os
Padrões de pensamentos individuais?"
- Individual Thougth Patterns

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#5 - Individual Thought Patterns (1993)

"Individual Thought Patterns" é um dos trabalhos essenciais do "Death". Ponto. A partir deste lançamento a banda elevaria sua importância para além do rótulo o qual pertenciam.

Steve DiGiorgio permaneceu sob o comando das quatro cordas evidenciado seu domínico com o fretless bass (baixo sem trastes). Tal medida deixou as músicas do álbum com um som ainda mais distinto - escute "Nothing is Everything" e o 'duelo' com o Chuck ao fim de "The Philosopher" para compreender. Completavam a formação: o monstro Gene Hoglan, baterista incrivelmente técnico, - experimente ouvir o que ele faz em faixas como "Overactive Imagination" e "In Human Form" - e o guitarrista, convidado por Chuck, Andy LaRoque (King Diamond) - que presenteou a banda com solos fantásticos, como o primeiro em "Trapped In A Corner".

Schuldiner conseguiu extrair, talvez, tanto o melhor de todos esses músicos, como o melhor de si nesse trabalho. O nível técnico das composições foi ainda mais alto que em "Human"; mas, surpreendemente, o disco soa, apesar da agressividade, cativante e único. Sim, até hoje nunca ouvi algo parecido com "Individual Thought Patterns" e que, ao mesmo tempo, soasse tão bem coeso e harmônico, ou seja, sem parecer mera exibição virtuosística.

Esse disco também marca uma significativa evolução de Chuck como guitarrista, pois seus riffs e solos, em músicas como "Jealousy" e "Trapped In A Corner", estão afiados como nunca. No que diz respeito as letras, em "Individual Thought Patterns" Chuck superou-se . Acompanhe as palavras de músicas como "Destiny", "Nothing Is Everything" e a faixa-título.

Foi produzido um videoclipe para "The Philosopher", faixa esta que, até hoje, segue como um dos maiores 'hits' - se é que isso é possível - do death metal. "The Philosopher" consegue sintetizar (bem) todos os elementos que fazem o som do "Death" e segue como 'porta de entrada' para muitos futuros admiradores da banda. Sua introdução, realizada com o uso do tapping, mostra a evolução de algo visto desde os primeiros álbuns da banda - trace um paralelo entre "Evil Dead", "Leprosy" e "Spiritual Healing". Para quem deseja conhecer o trabalho do "Death", "Individual Thought Patterns" seria uma ótima opção.

Músicas-chave:

"The Philosopher" ; "Destiny" ; "Trapped In A Corner"

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#6 -Symbolic (1995)

O sexto álbum do "Death" demonstra o amadurecimento da banda, com o passar dos anos, reunindo os principais elementos de sua carreira. A produção aqui fora uma das melhores que o grupo já teve, pois cada instrumento soa em seu devido lugar. Bom lembrar que, como de praxe, a formação do "Death" renovou-se e, em relação ao disco anterior, apenas Gene Hoglan (baterista) manteve-se. Sinceramente, não sei sua performance foi superior aqui, ou no disco anterior - ouça "Sacred Serenity", "Misanthrope" e a faixa-título para tirar suas conclusões.

Momentos de total inspiração permeiam o disco, seja pela agressividade de faixas como "1,000 Eyes", "Misanthrope" e "Zero Tolerance" ou pelas belas melodias de composições como "Without Judgement" - que guitarras! -, "Empty Words" e "Crystal Mountain" - sendo essas últimas citadas, duas das maiores pérolas de Chuck; melodias e peso na medida certa, além do uso de guitarras limpas.

"Symbolic" também marcou pelo fato ter um maior número de elementos progressivos nas composiçõe; o final de "Perennial Quest" - uma das melhores letras que Schuldiner já escreveu, a propósito - exemplifica essa afirmação sendo, este encerramento, um dos momentos mais inspirados e únicos do álbum. Um Outro digno de encerrar um álbum desse porte.

Apesar da clareza do instrumento - graças a, já citada, produção -, um dos poucos pontos fracos do disco são as linhas de baixo, pois Kelly Conlon não conseguiu chegar perto do que DiGiorgio proporcionou a música do "Death.

No que diz respeito ao conteudo lírico, Chuck manteve temáticas similares as do álbum anterior. Contudo, talvez houve um foco 'espiritual' mais apurado - como pode ser visto em canções como "1,000 Eyes" e "Perennial Quest". Novamente ele toca na questão religiosa, pois em meio a diversas metáforas de "Crystal Mountain", por exemplo, estão críticas pesadas a pessoas que utilizam a religião em benefício próprio.

"Symbolic" é um dos álbuns mais cultuados do "Death" e faz por merecer, pois em um período que o heavy metal (no geral) não ia bem, poucos foram os discos com o impacto e qualidade vistas nesse álbum. Curiosamente, "Symbolic" também representava o 'ato final' de Chuck Schuldiner para com o "Death"; após a turnê de promoção do álbum, Schuldiner decidiu focar-se no seu novo projeto - em que desejava atuar apenas como guitarrista e compositor -, o "Control Denied".

Músicas-chave:

"Empty Words" ; "Crystal Mountain" ; "Perennial Quest"

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#7 -The Sound Of Perseverance (1998)

"The Sound of Perseverance" viu a luz do dia após os primeiros experimentos de Chuck Schuldiner com o seu novo projeto, o "Control Denied". Entretanto, algumas composições soaram, para Chuck, como algo do "Death" e fora decidido reviver a banda lançando, assim, tais músicas sob a forma de um novo álbum.

A evolução de Chuck como musicista foi constante; o que se viu nesse disco foi uma banda mais técnica que nunca. Mas, a maior diferença não está no instrumental das composições, e sim no vocal de Schuldiner que, nesse álbum, optou por uma vocalização mais aguda e rasgada, longe do gutural seco e agressivo de outrora.

A formação do álbum incluiu ótimos músicos - 'aproveitados' do "Control Denied" -: mesmo substituindo um monstro, como Gene Hoglan, Richard Christy conseguiu conquistar respeito entre os fãs da banda através do que fez em músicas como "Scavenger of Human Sorrow" e "Forgive is To Suffer", por exemplo.

O que falar da dupla formada por Chuck Schuldiner e Shannon Hamm? Apesar dos ótimos guitarristas de outrora, houve, ao meu ver, uma espécie de empatia aqui que foi além da relação estúdios/palcos. "The Sound of Perseverance" fora o mais perto que o "Death" chegou de ser, de fato, uma banda. Pérolas como "Flesh and The Power It Holds" e "Story To Tell" mostram isso através de estruturas complexas e, até mesmo, inéditas para o estilo do "Death".

O cover de "Painkiller" (Judas Priest) foi uma surpresa e mostrou a versatilidade da banda. Chuck também conseguiu provar de vez que música extrema pode sim ser emocionante, ouça "A Moment of Clarity" - sendo esta uma das antigas composições do "Control Denied" - e a inspiradíssima instrumental "Voice of the Soul" para comprovar.

Em seu último álbum - com o "Death" - Schuldiner provou que, além de ser um dos responsáveis pela criação do gênero, também poderia ser um dos pioneiros na evolução do mesmo; "The Sound of Perseverance" foi crucial para a 'nova onda' do death metal técnico que surgiria posteriormente e, além disso, um digníssimo encerramento para uma das bandas mais singulares da história do metal.

Músicas-chave:

"Spirit Crusher" ; "Story To Tell" ; "A Moment Of Clarity"

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# Live In Eindhoven / Live in LA

Lançados no ano de 2001, como forma de arrecadar fundos para o tratamento de Schuldiner, ambos os discos registram performances da "The Sound of Perseverance Tour" possuindo setlists focados nos últimos três discos do "Death".

A performance, num todo, é excelente, porém o fato de Schuldiner cantar de forma mais rasgada - tal como fez no "The Sound of Perseverance - talvez cause estranhamento, pois ele canta dessa forma até em composições antigas.

As diferenças nos setlists são mínimas, sendo elas:"Flattening of Emotions" e "Lack of Comprehension" - em "Live in Eindhoven" - ; "Symbolic", "Scavenger of Human Sorrow", "Empty Words e "Zombie Ritual" - no "Live in LA".

Talvez, por ter sido gravado em um clube fechado, "Live in LA" soe melhor pelo fato da banda tocar de forma mais descontraída - Eindhoven fora registrado no festival "Dynamo". Tratam-se de boas performances, sendo álbuns bem recomendados para fãs e curioso, mas não são indicados como forma de conhecer o "Death", pois os setlists são 'limitados' e a forma de cantar de Chuck difere do habitual.

Ambos as performances também foram lançadas sob a forma de DVD e, em Fevereiro, os CDs de áudio serão remixados e relançados em um único disco intitulado "Vivus".

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"A simbólica e frágil arte da existência nada mais é que o som da perseverança" SCHULDINER, Chuck

Esta frase resume toda a carreira musical do músico aqui reportada. Enfim, lembremos sempre desse cara simples que, apesar de ter perdido a batalha contra a 'morte' prematuramente, conseguiu, através dela, provar que 'morte' também poderia ser arte - para isso, basta encararmos o que não desejamos e temos medo, como a própria... 'morte'.

1967 - 2001

Dados técnicos da discografia:
http://www.metal-archives.com/bands/Death/141

[coluna, download] Apresentando: ChaoSphere

2011-12-06T02:05:00.015-03:00

Em meados de 1999, na cidade do Recife, nasceu o "Chaosphere". A banda, que praticava um raro e perigoso misto de heavy metal com thrash metal, logo destacacou-se na cena pela sua qualidade em uma época que o famigerado 'heavy metal melódico' reinava. Reinava não apenas no Recife, mas em todo o Brasil, com a ascensão de bandas como o "Angra" e o "Shaman", por exemplo.

Contudo, apesar de uma ótima resposta na cena local, a longevidade do Chaosphere não foi extensa; sua influência não espalhou-se para fronteiras além de sua terra natal e rendeu poucos frutos, como a demo "The Empire of Lost Souls" (2002) e o EP "Circle of Fools" (2005) e ótimo, porém não lançado oficialmente, debut "Hell is Here" (2007).

Na capital pernambucano, o grupo teve uma grande quantidade de apreciadores, sendo o "Dokas Hall" um dos espaços em que ocorreram a maioria dos shows da banda que, vez ou outra, ainda executava tributos a bandas como o "Slayer" e o "Metallica" em festivais intitulados "Chaosfest" que, além do "Chaosphere', contavam com a presença de outras bandas pernambucanas. Uma das últimas, e fracassadas, etapas na carreira do "Chaosphere" foi a seletiva para o Wacken Open Air (famoso festival alemão dedicado ao heavy metal) que ocorreu na cidade de Salvador e, apesar de ser uma das favoritas ao 'título', o grupo acabou não vencendo a seletiva regional.

Em apresentação no "Dokas Hall"

Além de recapitular a história do "Chaosphere", este post tem a intenção de divulgar esse excelente trabalho ("Hell is Here" que, por conta de divergências entre os músicos, não chegou a ser comercializado sendo, um ano depois de suas gravações, disponibilizado para download gratuito por Antonio Araújo - ex-frontman da banda e, hoje, guitarrista da banda de thrash metal paulista "Korzus".

“Decidi colocar o álbum ‘on line’ porque é um trabalho legal, que nos custou alguns anos de dedicação pra juntar a grana e fazê-lo”, comentou, há três anos atrás, Antonio Araujo.

"Hell is Here" foi gravado entre os meses de setembro e outubro de 2006, em São Paulo, com produção do músico Heros Trench - guitarrista do Korzus. Todavia, o disco, em sua integridade, só pôde ser ouvido em meados de 2008 atráves do, já citado, ato de Antonio Araújo. Na época, foram alegados diversos problemas para o atraso. Atraso este que perdurou até a dissolução da banda.

Arte frontal da única demo do grupo

Mas, felizmente, o álbum fora disponibilizado. Com uma excelente produção - além do esperado para o debut de uma banda nacional, digamos -, o disco possui dez faixas. Por conta da grande variação das composições, a audição do álbum não é cansativa. O trabalho de bateria, realizado por Wagner Campos, é explêndido, destacando-se em meio a uma saraivada de riffs e solos de guitarras - vide o trabalho dele em porradas como "Side by Side" e "Circle of Fools".

O principal compositor do grupo, o contra-baixista André Ribeiro, faz diversas linhas de baixo cativantes e criativas - ouça the "The Infantry", a vinheta "Sunset, Sunset" e a épica "The Empire of Lost Souls". Já o frontman, Antônio Araújo, se sai muito bem em linhas vocais que variam da agressividade do thrash metal, a momentos 'mais tradicionais'. Seu trabalho nas seis cordas, realizando riffs e solos, conseguiu ser ainda superior a sua performance como cantor. A faixa "The March Of Time", talvez, seja a que sentetize melhor seu trabalho, nos vocais e guitarras, dentre todas as faixas do disco.

Atualmente, André Ribeiro segue com um projeto similar a sua antiga banda - inclusive realizando, recentemente, covers de faixas do "Hell is Here"-, o "EvilGeist". O baterista Wagner Campos fez parte da banda de death metal pernambucana "Decomposed God" e Antonio Araújo, como já comentado, integra o Korzus.

Enfim, fica disponível um dos melhores álbuns de heavy metal já feitos por uma banda de Pernambuco e que, além de tudo, representa um período bem fértil e nostálgico para fãs da música pesada desta região. Se gostar do disco, faça um favor mínimo aos trabalhos dos músicos (que não lucraram com este disco)... espalhe-0.

PS:
Não confundir; existe uma banda polonesa, de metal industrial, com o mesmo nome.

Ano de lançamento: 2007 ChaoSphere - Hell Is Here

1.	Welcome to the World	06:57
2.	The Infantry	04:46
3.	The Legion of the Last Braves	05:50
4.	The March of Time	06:20
5.	Hunters	05:30
6.	The Black Gate	05:20
7.	Side by Side	05:49
8.	The Circle of Fools	05:59
9.	Sunset and Sunrise	02:46
10.	The Empire of Lost Souls	09:12

Download (mp3@192kbps)

Formação:

Antonio Araújo - vocais, Guitarra

Eduardo Fonseca - guitarra
André Ribeiro - baixo, vocais
Wagner Campos - bateria

http://www.myspace.com/chaosphere

[resenha - show] Dr. Sin (@ Bar do Burburinho, Recife, 02/12/11)

2011-12-04T04:39:00.028-03:00

Depois de quatro anos, o último show em terras pernambucanas havia sido realizado em 2007, eis que o Recife recebe o trio - hoje, com a inclusão de teclados, um quarteto, na verdade - de hard rock paulista "Dr. Sin". A banda divulga o seu último álbum, "Animal".

Abro um pequeno 'parênteses' antes da resenha em si:

Após ler o anúncio do local do evento perguntei-me: - será que o Burburinho comportará decentemente o público para este show? Explico as razões da minha indagação: devido ao fato (recente) do "Bomber Rock Bar" fechar as portas, houve uma migração, dos shows lá realizados, para o "Bar do Burburinho" - um bar mais tradicional cuja localização foi a mesma do finado Bomber: o bairro do Recife. A estrutura Bomber, apesar de também ser um local de espaço limitado, era superior ao primeiro andar do Burburinho e espero, sinceramente, que o uso desse bar, como opção para shows do estilo, seja um paliativo ou que, ao menos, os eventos de porte médio, como este, ocorram no "Clube Português" ou no "Clube Internacional". Um fator a ser levado em consideração foi o preço do evento, afinal 30 reais foi um valor acima do esperado para o local em si.

Após os shows de abertura (leia mais informações no fim), finalmente Andria Busic (vocal/baixo), Ivan Busic (bateria/vocal), Edu Ardanuy (guitarra) e, agregado ao grupo, Rodrigo Simão (teclado) iniciavam a apresentação, que foi realizada com o hard rock a lá "Van Halen" de "Animal". Responsável pela abertura do álbum de mesmo nome, a música de refrão simples empolgou a todos, a essa altura o primeiro andar do Burburinho estava lotado, que aguardavam os músicos paulistas.

De imediato, a técnica absurda de Ardanuy, impressionou os presentes. O contraste da dificuldade de execução dos seus riffs e solos, se comparados com a incrível facilidade com que ele os executa, é realmente motivo para impressionar-se.

Logo depois de concluir a faixa, Andria sauda o público e faz um comentário sobre a falta de shows do grupo no Recife nesses últimos anos, mas a conversa não é longa: Ivan logo emenda, na bateria, a clássica introdução de "Fly Away" - composição presente no álbum "Dr. Sin II" (2002) - que ainda contou com uma pequena jam em seu ínicio. Que refrão esta música possui! Para alegria da banda, ele foi entoado pela maioria dos presentes, deixando os membros do "Dr. Sin" visivelmente satisfeitos.

Faço uma pequena observação: prefiro as músicas do "Dr. Sin II" com o próprio Andria nos vocais, ao invés do americano Michael Vescera (responsável pela gravação original dos vocais no disco). Essa performance só solidificou minha opinião.

A apresentação segue com a recente "Lady Lust". Divergindo da primeira faixa do show, "Lady Lust" possui menos velocidade e um foco maior no peso. Destaque para a sessão instrumental, lá para o meio da canção, com Andria sobressaindo-se em ótimas linhas de baixo, sempre bem acompanhado de seu irmão (Ivan).

Logo após, o riff de guitarra rápido e esquizofrênico - heavy metal? hard rock? funk? ou tudo isso? - denuncia uma das canções mais clássicas do grupo: "Fire" - do álbum "Brutal" (1995). Como de praxe, Andria deixou parte do refrão sob responsabilidade da platéia. No geral, uma ótima execução. Pena que, durante uma das melhores passagens do solo - os arpeggios iniciais -, o teclado sobressaiu-se além do esperado sobre o som da guitarra que, mesmo após esse trecho, continuou um tanto baixa. Uma pena.

" - Vocês podem tornar seus sonhos em realidade", com esta frase, ou algo próximo a isto, a banda voltou ao disco de 2002 e fez o público cantar o refrão da ótima, e quase uma canção de auto-ajuda, "Miracles". Depois de encerrar a música, Ivan solta um emocionado discurso dedicado ao, já falecido, vocalista Ronnie James Dio. Com isso denunciam a execução de "The King" - música pertecente ao "Animal". Música esta que trata-se de uma homenagem ao "rei do rock n' roll". Emendando com conclusão da faixa, Ardanuy ainda executou uma 'palhinha' do riff introdutório da clássica "Stand Up And Shout" - presente no disco "Holy Diver", do Dio. Bela forma de homenagear um dos 'maiores baixinhos' da música pesada.

Chega a hora dos clássicos e, para comemorar os 20 anos de banda, o "Dr. Sin" segue com "Howlin' in the Shadows" do debut dos caras. Trata-se de uma faixa clássica, mas que, na minha opinião, não teve uma resposta, por parte do público, esperada. " - Vocês conhecem o Insinity?", diz Ivan. Ardanuy logo executa umas notas que ameaçam a introdução de "Zero" e, para minha surpresa, eu estava certo. Esta foi a primeira surpresa do setlist do show que, até então, não havia apresentado muitas variações - se comparados a shows anteriores dessa turnê, claro. Ótima execução e esse solo de Ardanuy emociona; sem dúvidas um dos mais belos que ele já compôs.

Mais clássicos estão por vir, e o público clama por "Stone Cold Dead" - do debut. Andria até 'ameaça', no baixo, algumas notas do riff inicial da música pedida... mas a apresentação segue com o primeiro e, infelizmente, um dos poucos, hits do grupo: "Emotional Catastrophe". Esta acompanhada, felizmente, de uma ótima resposta do público. O show tem seu andamento garantido com a pesada "Nomad" - do álbum Bravo (2007) -, faixa que possui um dos riffs mais legais já feitos por Ardanuy.

Prestes a encerrar o set tradicional, a banda anuncia a execução de "Those Days" dando umas "alfinetadas" na situação atual, para 'sobrevivência', dos músicos de rock/heavy metal na mídia. Das canções do "Animal", essa foi a que teve uma das respostas menos empolgantes por parte do público - mesmo contando com um excelente refrão.

Já agradecendo, em uma forma de despedida, Ivan anuncia mais uma faixa do "Brutal" - o disco mais pesado da banda. O riff matador de "Shed Your Skin" introduziu a música que, infelizmente, também teve seu solo - um dos mais absurdos feitos por Ardanuy, diga-se de passagem - prejudicado pelo som. Depois de 'ensaiar' uma saída, o "Dr. Sin" regressa para o bis com uma jam que incluiu "Jump", do "Van Halen", para só então tocar um de seus maiores clássicos: Futebol, Mulher e Rock N' Roll. Essa é uma das músicas que mais permitem interação com a platéia, além de ser a única cantada em português. Obviamente, Ivan e Andria aproveitaram para realizar as tradicionais brincadeiras com o público, incluindo o "eta, eta eta" e, para não serem acusados de machistas, o "alho, alho, alho". Brincadeiras, a parte... excelente performance e interação com o público. "É mais um gol brasileiro meu povo...", ao fim da música, a banda despediu-se prometendo uma volta mais rápida ao Recife.

Abaixo, algumas das citações memoráveis do filósofo Andria:

"quem tem boca vai a Roma, quem tem buceta dá a volta a ao mundo!"

"(...) porque brigar por futebol é falta de buceta!"

Enfim, show excelente. A qualidade dos músicos não merece ser nem questionada, além de técnica há empolgação, energia e vontade. Faltaram algumas músicas? Sim, senti falta de "Isolated", "Sometimes", "Time After Time" e tantas outras... Mas o set foi bem distribuido não há motivos para muitas reclamações.

Em suma, presenciamos uma verdadeira apresentação de rock n' roll de uma das melhores, senão a melhor, banda tocando esse estilo no Brasil e que, apesar de parecer clichê repetir isso, merece mais reconhecimento. Lamento o fato de tocarem em um lugar tão apertado como o Burburinho e o som não ter contribuido em diversos momentos; espero revê-los sob melhores condições e, de preferência, sem um jogo de luzes que desperte ataques de epilepsia nos presentes...

Abertura:

Além do "Dr. Sin", houve participação de três bandas pernambucanas no evento: o "Kriver"; tocando um heavy/hard bem energético, o "Rush Cover"; que apesar de vários problemas fez um ótimo show e o "EvilGeist"; que divergiu de todas as bandas por executar um som mais agressivo, porém também realizaram uma boa apresentação.

Fotos por:

Eduardo Germínio

Formação:

Andria Busic - vocais e baixo

Ivan Busic - bateria e vocais

Edu Ardanuy - guitarras

Rodrigo Simão - teclados

Setlist:

01. Animal
02. Fly away
03. Lady Lust
04. Fire
05. Miracles
06. The King
07. Howlin' In The Shadows
08. Zero
09. Emotional Catastrophe
10. Nomad
11. Those Days
12. Shed Your Skin

-----------------

13. Jump / Jam
14. Futebol, Mulher e Rock'n'Roll

[download] Pride & Glory - @ Live at Kouseinenkin Hall, Tokyo, Japan (bootleg)

2011-10-27T02:31:00.000-03:00

O "Pride & Glory" fora um grupo norte-americano com curta trajetória - rendeu apenas um, auto-intitulado, álbum no ano de 1994. Naquela época, o músico aproveitava uma folga de seus serviços como guitarrista do saudoso vocalista Ozzy Osbourne. O grupo ganhou visibilidade, principalmente, pelo fato de ser a primeira experiência do guitarrista sem o "apadrinhamento" de Ozzy.

Porém, nesse projeto Wylde não se limitou a tocar - muito bem, por sinal - a guitarra. No "Pride & Glory" o músico registrou, pela primeira vez, seus dotes como vocalista e, além disso, superou-se como compositor. É bom fixar que, neste projeto, Wylde não foi "apenas" um membro: na realidade o "Pride & Glory" foi uma espécie de carreira solo do guitarrista.

A música do grupo possui diversas nuances e influências, unindo desde os elementos pesados do heavy metal - cortesia da guitarra de Zakk Wylde -, ao despojamento do rock sulista americano e ainda explorou, sem nenhum receio, a música country - há uso de gaitas e bandolins (!) nas gravações, por exemplo. Agora, caso não conheça o som da banda, tente imaginar tudo isso fundido em várias canções e sem prender-se a nenhuma fórmula piegas. É mais ou menos assim que o álbum inteira soa.

Sou fã do trabalho de Zakk Wylde... seja com o Ozzy Osbourne, em sua - também curta - carreira solo, ou no próprio "Black Label Society". ~~Bem, o próprio nome desse blog denuncia isso.~~

Todavia, acredito que este álbum foi o seu ápice como músico. No sentido geral mesmo da coisa. Lamento o fato do trabalho ter virado apenas 'um projeto cult', pois a qualidade das canções, dos músicos e a originalidade de toda essa mistura, rendeu menos do que poderia/deveria.

Estou, aqui nesse post, oferecendo, a oportunidade de conferir uma - excelente, diga-se de passagem - performance dos caras. Sendo uma das poucas apresentações do grupo, o show, que ocorreu em terras nipônicas, teve direito a execução de quase todas faixas do álbum homônimo e alguns covers de bandas como: "The Beatles, "Mountain" e "Black Sabbath". O arquivo é um bootleg (gravação não oficial) capturado direto da mesa de som, ou seja, a qualidade está boa.

Tracklist:

Disc.1 (66.05)
1.Toe'n The Line (9.49)
2.Horse Called War (5.24)
3.Harvester Of Rain (5.05)
4.The Chosen One (7.46)
5.Losin' Your Love (5.39)
6.Troubled Wine (7.19)
7.Machine Gun Man (13.40)
8.Sweet Jesus (5.39)
9.Fadin' Away (5.41)

Disc.2 (55.02)
1.Lovin' Woman (5.58)
2.Fairies Wear Boots---War Pigs (18.50)
3.Mississippi Queen (With Stevie Salas) (10.46)
4.Shine On (13.18)
5.Fadin' Away (Rehearsal) (1.14)
6.Hey Jude (Rehearsal) (4.54)

Date: November,10,1994

mp3 @ 192 kbps

Download (MediaFire)

[resenha - álbum] Iced Earth - Dystopia

2011-10-24T01:45:00.012-03:00

Ano de lançamento: 2011

"06/08/2011". Facilmente identificada pelos fãs do Iced Earth, esta foi a data em que a banda americana despediu-se, pela segunda vez, do vocalista Matt Barlow. Falar da importância do cantor para a banda é 'chover no molhado' já que, apesar do guitarrista Jon Schaffer responder pela grande maioria das ações da banda, a característica interpretação dramática e agressiva de Barlow - sempre fortalecida o uso tanto de vocalizações graves como agudas - moldou o som do "Iced Earth".

Caracterizou de uma forma que até o, relativamente, famoso vocalista Tim Ripper Owens - conhecido por sua passagem no gigante "Judas Priest" - sofreu com o 'fantasma' de Barlow durante sua curta estadia na banda, pois além da performance vocal em si, um atributo faltou a Ripper: o carisma de Barlow. Tim Ripper saiu e, para felicidade da maioria dos fãs, Barlow retornou realizando turnês (com uma passagem no Brasil) e gravou um disco - "Crucible of Man" (2008) - mas, surpreendendo a todos, anuncia sua (segunda) saída da banda. Bem, e agora?

O vocalista Stu Block (Into Eternity) fora anunciado como substituto antes mesmo da turnê de despedida (de Barlow) acabar. Enquanto isso, "Dystopia" - anunciado como um disco direto, agressivo... uma volta as raízes - era gravado com o novo cantor. Para matar a 'sede' dos curiosos, uma incrível versão do épico "Dante's Inferno" - do álbum Burnt Offerings (1995) - e, posteriormente, duas (ótimas) canções, até então inéditas, desse "Dystopia" foram lançadas em uma edição especial da revista alemã RockHard.

As músicas em questão foram as faixas 02 e 08 desse disco - "Anthem" e "Days of Rage", respectivamente. Duas ótimas composições que surpreenderam muita gente que, antes mesmo de ouvir, criticava Block. Mas que estavam longe de mostrar todo o potencial do disco que, desde a introdução em marcha da primeira música ("Dystopia"), prende o ouvinte. Confesso que a semelhança do vocal de Stu com Barlow, em príncipio, me espantou. Mas, quem se importa? Na primeira faixa destaca-se o grande refrão e as linhas vocais, em falsetto, realizadas por Stu. Troy Seele finalmente mostra a que veio, com a guitarra solo deixando de ser mera figurante no som da banda e voltando a ter um certo destaque.

A próxima, e já conhecida, música apresenta uma introdução extra, não presente na primeira versão. "Anthem" é uma faixa bem melódica, centrada no grande refrão e não possui um foco grande no peso. Eis que, em oposição, surge "Boiling Point" - que peso! Nessa faixa Stu consegue reunir as principais características de Ripper e Barlow em uma grand, e furiosa, interpretação. Riffs galopantes, refrões pegajosos, peso aliado a melodia e performance vocal forte. Sim, o Iced Earth voltou! Nada de exageros nos arranjos, orquestras e megalomanias conceituais... apenas heavy metal direto.

O disco segue com a balada "Anguish of Youth" e com o heavy metal direto de "V". A primeira, de autoria exclusiva de Schaffer, surpreende em dois pontos: a introdução acústica, com muita dose de groove - algo incomum na banda -, e a performance vocal de Stu. Aqui ele canta de uma forma mais solta, mais própria que nas faixas anteriores. A música peca por, além da sua previsibilidade, não possuir um 'climax'. Diferente de "V" que, apesar de também possuir uma estrutura 'básica', apresenta um refrão tão bom e empolgante que te faz esquecer de analisar isso e apenas querer apertar 'replay'! Tudo, obviamente, completado com riffs criativos e grudentos. Bem, não apenas o refrão é grudento: a música inteira é.

As 'maidenianas' "Dark City" - com passagens que me lembraram, também, "Prophecy", do disco "Something Wicked This Way Comes" (1998) - e "Equilibrium" mantém o nível de "Dystopia" alto. A violenta, e já citada, "Days of Rage" mostra toda a agressividade de Stu, além de matar a saudade dos fãs das composições pesadas e rápidas da banda com pouco mais de dois minutos de duração.

A oitava música, e penúltima faixa na versão normal do disco, é uma balada bem ao estilo do grupo. "End of Innocence" teve sua letra escrita por Stu como uma forma de prestar tributo a sua mãe - que sofre de câncer, em estado terminal. É uma música bem emocionante que não cai no marasmo, como corre em certos trechos da, também balada, "Anguish of Youth", por exemplo. Na quesito interpretação, aqui foi onde Stu Block mais se aproximou da emoção dada por Matthew Barlow.

"Dystopia" tem seu encerramento em "Triumph and Tragedy". Trata-se de uma canção melódica que, novamente evoca o Iron Maiden - Jon Schaffer deve ter resolvido tirar a poeira do seu "Powerslave" (1984) e Piece of Mind" (1983)! - , e é desenvolvida em riffs, lembrando o estilo mais clássico da banda - como uma época de um Night of the Stormrider (1992), pra citar um exemplo. A música ainda conta com um final, escondido poucos minutos após seu encerramento.

Nota: Na versão especial, e limitada, do disco incluem-se as seguintes faixas: "Soylent Green" - que conta com uns riffs bem grudentos -, "Iron Will" - com um estilo bem tradicional - e uma versão extra (String Mix) de "Anthem".

Enfim, o Iced Earth não reinventou a roda: "Dystopia" é um ótimo disco de heavy metal do começo ao fim. Sim, há novos elementos, mas o que se nota é a banda (Jon Schaffer?) objetivando a volta do seu estilo de origem em busca de um recomeço. O regresso de alguns solos e pequenos 'leads' também foi um ponto positivo. Troy Seele é um guitarrista mediano, mas que em estúdio cumpriu bem seu papel. Já a 'cozinha' permanece bem sólida: Brent Smedley é um ótimo baterista, pode não ser o melhor que já passou pela banda - bem, é difícil ser melhor considerando que o Richard Christy já passou pelo Iced - e Freddie Vidales é um ótimo baixista, pena que as quatro cordas não possua destaque no álbum. Já Schaffer segue como um ótimo compositor e um dos melhores guitarristas rítmicos no metal...

...e Stu Block? Sinceramente, nunca vi uma resposta tão positiva, no que se refere a reposição de um vocalista clássico. Alguns se sentirão incomodados pelo fato do músico, em muitas ocasiões, soar como o Barlow, talvez uma imposição de Schaffer, mas tudo flui no contexto da música. Em vários momentos Block mostra partes do seu estilo mostrando que possui uma versatilidade imensa de vocalizações. Analisando os créditos da obra, vê-se que Stu contribuiu muito nas letras do álbum. Outro ponto positivo. Esperemos sua evolução em disco posteriores, nesse, mesmo com toda a cobrança ele já alcançou um feito: a aprovação entre boa parte dos fãs do "Iced Earth"

Nota: 9,0

Músicas-chave:

"End of Innocence" ; "Days of Rage" ; "V"

Despedida de Matt Barlow durante o Wacken Open Air:

Formação:

Stu Block - vocais
Jon Schaffer - guitarras, vocais de fundo
Brent Smedley - bateria
Troy Seele - guitarra solo

Freddie Vidales - baixo

Tracklist:

1.     Dystopia     05:49
2.     Anthem     04:54
3.     Boiling Point     02:47
4.     Anguish of Youth     04:41
5.     V     03:39
6.     Dark City     05:42
7.     Equilibrium     04:31
8.     Days of Rage     02:17
9.     End of Innocence     04:07
10.     Tragedy & Triumph     07:44
11.     Anthem (String Mix)     04:51

[resenha - álbum] Wintersun - Wintersun

2011-09-14T19:03:00.006-03:00

Ano de lançamento: 2004

Após alguns anos a frente do grupo finlandês de folk metal "Ensiferum", o músico Jari Mäenpäa decide afastar-se da banda para total dedicação a um ambicioso projeto. Tal projeto fora batizado como "Wintersun". Divergindo da sua banda anterior - em que Mäenpäa não era o principal compositor - , aqui a música produzida seria apenas sua, e não apenas na composição: Jari além de tocar guitarra e cantar (função que adotou nos tempos do "Ensiferum") também tocou teclado baixo e fez os demais arranjos orquestrais das músicas do álbum.

O disco homônimo tem sua abertura realizada de maneira rápida e imponente com "Beyond the Dark Sun". A faixa, apesar de boa, mostra uma grande simplicidade se comparada com as outras do álbum - e não apenas por sua curta duração - servindo apenas como uma espécie de introdução ao verdadeiro conteúdo da obra. A próxima faixa ("Winter Madness") já apresenta os elementos do abismo que separam o "Wintersun" das dezenas de bandas do chamado 'melodic death metal'. O nível dos riffs e a complexidade dos arranjos/passagens já denunciam o perfeccionismo de Jari. Também deve mencionar o solo, de altíssimo nível técnico, que demonstra muito do estilo, influenciado por guitarristas como Steve Vai e Yngwie Malmsteen, de Mäenpäa.

Quando você começa a notar todos esses elementos e, além da performance técnica, atrai-se também pela originalidade da música... eis que surgem, na sequência, composições como "Sleeping Stars", "Battle Against Time" e a épica "Death and the Healing". O vocal de Jari, nesse ponto, torna-se um dos principais atrativos do disco: poucos conseguem variar tanto o vocal como ele - saindo do rasgado, limpo ao gutural. Dando ainda mais originalidade as composições. Ouça "Battle Against Time" e, caso conheça o "Ensiferum", notará os famosos vocais em coro característicos do viking metal aqui. Outro exemplo é sua performance - com vocal completamente limpo - em "Death and the Healing". Escute-a compare com a abertura do disco. Nessa mesma canção também devo citar o magnífico trabalho de guitarra solo de Jari que, apesar de realizar um solo longo, cria tantos e nuances que dificilmente entediará o ouvinte.

As três últimas canções do disco são as ricas em arranjos e, consequentemente, as mais complexas do disco.

"Starchild" é um épico dividido em cinco partes. A composição possui muitos elementos típicos do folk metal finlandês. Destaca-se nessa faixa a interpretação vocal de Jari, que atinge notas muito altas por aqui, e a presença maior de elementos orquestrais. Os arranjos são incríveis, melódicos e, sempre, completados pelas guitarras pesadas. Aliás, bem mais pesadas do que normalmente visto em bandas desse tipo.

Duas das melhores faixas encerram o disco: "Beautiful Death" - com os melhores e mais furiosos riffs do álbum, além de um belo solo 'extra' em seu fim - e a emocionante "Sadness and Hate". Difícil descrever essa última faixa, pois ela é a mais emocionante - e triste - do disco. Até os seus momentos mais guturais são carregados de interpretação - ouça Jari berrando "I GIVE MY LIFE TO YOU" e compreenda. Um ótimo exemplo para quem não entende, ou critica esse tipo de vocal.

Paradoxalmente, as melodias - as vezes excessivas, é verdade - unem-se de maneira harmônica com todo o lado extremo da banda sem soar de forma forçada. Na primeira vez que ouvi esse álbum pensei em todo o trabalho realizado - desde mixagem, a composição dos arranjos - para que tudo isso soasse tão cristalino e agradável. Sim, isso são elementos que tornam o debut do Wintersun algo único. Como único ponto fraco posso citar algumas partes rítmicas que soam um pouco simplórias - ouça a intro de "Starchild", por exemplo - em relação aos leads - sempre melódicos.

É bom lembrar que o "Wintersun", originalmente, fora um projeto restrito ao estúdio. Todavia, Mäenpäa mudou de ideia - por conta da ótima resposta ao trabalho - , recrutou alguns músicos, e resolveu apresentar a música do debut ao vivo. Apesar de toda a complexidade das composições, o som do grupo é representando de excelente forma ao vivo - o vídeo abaixo comprava isso. Algumas das composições do debut, como "Beyond the Dark Sun" e "Death and the Healing", foram compostas em períodos bem distintos da vida de Jari e, talvez por isso, soem um pouco fora do contexto do álbum.

Infelizmente, já se vão mais de seis anos da espera do sucessor de "Wintersun". Enquanto isso vale a pena ouvir novamente - ou descobrir - "Wintersun", pois trata-se de uma obra única na música pesada e, claro, tirar o chapéu para o trabalho do excelente músico Jari Maenppa... afinal não é qualquer um que tira esse peso infernal com uma Fender Telecaster.

Nota: 9,0

Músicas-chave:
Death and the Healing ; Sadness and Hate ; Winter Madness

Formação:
Jari Mäenpää - vocais, guitarras, baixo e teclado

Kai "the Grinder" Hahto - bateria

Tracklist:

1.     Beyond the Dark Sun     02:38
2.     Winter Madness     05:08
3.     Sleeping Stars     05:41
4.     Battle Against Time     07:03
5.     Death and the Healing     07:13
6.     Starchild     07:54
7.     Beautiful Death     08:16
8.     Sadness and Hate     10:16

[resenha - álbum] Opeth - Heritage

2011-09-08T03:41:00.008-03:00

Ano de lançamento: 2011

A discografia dos suecos do "Opeth" é marcada pela ousadia e rompimento de barreiras dentro do, muitas vezes preconceituoso, nicho musical a qual pertencem, o heavy metal. Na obra do grupo, passagens acústicas, nuances psicodélicas e demais elementos, característicos da música progressiva, harmonizam-se, normalmente em uma mesma composição, com passagens de gêneros mais extremos da música pesada - como o death, black e doom metal.

Tal mistura sempre atraiu admiradores, como também afastou ouvintes - que não simpatizavam com alguns elementos presentes do grupo. Todavia, em meio a essa "salada de influencias musicais", algo sobressai-se na música do Opeth: a imprevisibilidade. Esse atributo costuma marcar desde a estrutura das canções, até as letras e a capa de um disco da banda.

"Heritage" fora anunciado como um álbum a parte, provocando um certo furor na mídia especializada. Uma das declarações, feitas por Mikael Akerfeldt (líder do grupo), era de que, tal como "Damnation" (2003), o vocal gutural - um dos principais elementos da música do Opeth - não estaria presente em nenhuma das faixas desse disco. Contudo, diferentemente de "Damnation", o foco desse trabalho voltaria-se, principalmente, a música progressiva como era produzida nos anos 70 (ano que marca o ápice criativo do estilo).

Um fato que marcou - e preocupou os fãs - foi a saída do tecladista Per Wiberg logo após a gravação do álbum. O motivado da saída, alegado pelo músico, foi de que ele gostaria de tocar sua própria música. A faixa-título, que abre o disco, curiosamente foi a única faixa em que Per não contribuiu no trabalho. Cortesia de seu substituto (Joakim Svalberg) a bela peça, baseada no piano, introduz ao primeiro single do disco: "The Devil's Orchard".

Já conhecida de alguns, antes do lançamento do disco, "The Devil's Orchard" é uma das faixas mais "tradicionais" desse trabalho, possui ótimas variações e um riff principal que é tão original como, na mesma proporção, grudento. Influências de bandas como "Camel", "King Crimson", "Jethro Tull" e até "Yes" seguirão até o fim do disco... e essa é a faixa mais próxima do "Opeth" tradicional - se é que é possível traçar um limite de "tradicionalidade" para a música do grupo.

A próxima canção ("I Feel the Dark") é uma das melhores. Sabe aquele tipo de música que melhora a cada audição? Essa é uma delas. A passagem mais pesada pode ser curta, mas é a 'cereja no topo do bolo' aqui. Já a quarta faixa ("Slither") é uma das músicas mais diferentes do disco e da carreira do "Opeth". Trata-se de uma homenagem ao falecido vocalista Ronnie James Dio (ex-Black Sabbath, Rainbow) e mescla elementos de grupos de rock setentistas, como o próprio "Rainbow". Infelizmente, a composição destoa demais das outra canções, soa fora do contexto, como um 'b-side' perdido dentro do álbum. Nem o clássico, e belo, final dedilhado aproxima ela do contexto do disco.

"Nephenthe", "Haxprocess" e "Famine" seguem com o clima progressivo do ínicio do álbum, porém aliando elementos jazzísticos e psicodélicos em suas fórmulas. A última citada é uma das umas das músicas mais ousadas já produzidas pela banda, contando, inclusive, com a presença de flautas. Porém, nesse ponto a audição do álbum, perigosamente, pode tornar-se cansativa.

"The Lines in My Hands" destaca-se pelas excelente linhas de bateria e imprisivilidade em si, excelentes solos de violão a enriquecem bastante essa música que é uma das mais curtas do disco e da carreira da banda, famosa por faixas enormes. A próxima música ("Folklore") possui uma forte veia jazzística e experimental no geral - até mais que no resto do álbum - e soa agradavelmente psicodélica. Um dos destaques, com certeza.

Tal como foi introduzido, o álbum encerra-se, também, com uma faixa instrumental. "Marrow of the Earth" é uma das melhores, mais bonita e melancólica canção instrumental já composta pelo "Opeth". A riqueza de influências aqui é enorme. Não há o que comentar, apenas ouça!

Sim, Mikael Åkerfeldt não mentiu em nenhuma de suas declarações: "Heritage" é um álbum a parte, mas não apenas na discografia da banda, e sim na música contemporânea no geral. Explico: não se trata de um disco composto para ser apreciado, por exemplo, enquanto o ouvinte realiza diversas outras tarefas, ou escuta em algum fone pela rua - ao menos não recomendo nas primeiras audições. No geral, é um álbum complexo, com pouquissímos elementos de heavy metal - o que vai desagradar fãs puristas - e com canções difíceis de serem absorvidas de primeira.

Enfim, "Heritage" vai contra a maré de toda a música descartável tão perpetuada na atualidade. Confesso que demorei para compreendê-lo e foi dificil resenhá-lo, pois precisei de algumas e, introspectivas, audições para entender a obra em sua totalidade.

Claro que este disco trará novos apreciadores ao grupo, mas a chance de provocar uma resposta negativa, infelizmente, é ainda maior. "Heritage" é complexo desde sua capa - existe muito simbolismo por trás das imagens, vale a pena "estudá-la" -, até a última nota de "Marrow of The Earth". Mas a melancolia, a introspecção e o experimentalismo - mais do que nunca - tão característico da música do "Opeth" estão presentes. Todavia, quem esperar um "Still Life" (1999) - épico, agressivo e metal - ou até mesmo um "Damnation" - acessível, melodioso e depressivo - quebrará a cara.

Apesar de ter gostado desse experimento, secretamente - agora, não mais - aguardarei o regresso das guitarras incrivelmente distorcidas e dos guturais.

Nota: 8,0

Músicas-chave:
"Folklore" ; "I Feel the Dark" ; "Marrow of The Earth"

Formação:

Mikael Åkerfeldt - vocais e guitarra

Fredrik Åkesson - guitarra

Martín Méndez - baixo

Martin Axenrot - bateria

Joakim Svalberg - teclado

Tracklist:

1.     Heritage     02:05
2.     The Devil's Orchard     06:40
3.     I Feel the Dark     06:40
4.     Slither     04:03
5.     Nepenthe     05:40
6.     Häxprocess     06:57
7.     Famine     08:32
8.     The Lines in My Hand     03:49
9.     Folklore 08:19
10.     Marrow of the Earth 04:19

[resenha - álbum] Pantera - The Great Southern Trendkill

2011-07-26T03:17:00.022-03:00

Ano de lançamento: 1996

Agressivo. Tal adjetivo é o que melhor define este registro do "Pantera" . O grupo, que na época sobrevivia (bravamente) em um mercado musical limitado, tornava-se cada mais pesado e perigoso.

A cada disco os americanos cresciam, como banda, e tornavam seu som ainda mais pesado que no lançamento anterior. "Far Beyond Driven" (1994) apresentou excelentes vendagens para um trabalho tão agressivo, principalmente se condiderarmos que foi uma época em que o grunge dominava o mainstream. A expectativa para o próximo registro era forte: será que lançariam algo ainda mais brutal?

Bastam os 10 primeiros segundos da faixa-título, que abre o álbum, para responder essa pergunta. A introdução, que beira o grindcore, logo cede espaço para os tradicionais riffs grudentos do grande guitarrista Dimebag Darrel. No final, a sessão de solos, em nada lembra a agressividade do início da faixa que, em seu título, faz alusão a origem sulista da banda e a vontade em "destruir" o que estava na moda, na música, naquela época. A letra dessa faixa é pura agressão e ela, por si só, poderia ser responsável pelo boicote que o álbum sofreu nos meios de comunicação na época - claro que a banda ajudou muito: se negando a dar entrevistas, por exemplo - pois ataca as revistas especializadas e a própria MTV.

"War Nerve" logo nos primeiros riffs mostra o porquê de Dimebag ser considerado uma grande influência no metal moderno: a baixa afinação aliada a dissonâncias tornaram-se a marca registrado do guitarrista. Isso claro, somado ao peso - e que peso - do baixo de Rex Brown e a incrível interação de Dimebag com o seu irmão, o baterista Vinnie Paul. Aqui há a segunda participação - a primeira ocorreu na faixa-título e a segunda durante "Suicide Note Part. II" -, do hoje finado, vocalista do "Anal Cunt" Seth Puntnan - que foi ajudou Anselmo com alguns gritos.

Um Phil Anselmo, gritando como nunca, e ainda mais insano dá a alma em letras ainda mais tortuosas e soturnas que qualquer coisa que a banda já tenha feito. Paralelamente ao lançamento do álbum o "Pantera" não vivia uma fase harmoniosa, principalmente por parte de Phil Anselmo que estava no ápice de sua dependência química. A situação chegou em níveis tão extremos que para que "The Great Southern Trendkill" visse a luz do dia, a banda precisou separar-se do vocalista - que gravou o disco sozinho no estúdio do músico Trent Rezno ("Nine Inch Nails"). Some o fato do vocalista estar envolvido com inúmeros projetos musicais, sendo um deles o "Down" - com o baixista Rex Brown - que tomou rumos maiores que o, inicialmente, previsto.

Mesmo com toda a acidez da banda com a mídia, esse álbum ainda rendeu um clipe: "Drag the Waters" foi a música escolhida. Trata-se de uma composição boa e marcante baseada num riff realmente interessante. Todavia, sua repetição tornam tal canção uma das mais fracas do disco.

Surpreendendo o ouvinte, na quarta faixa, surge a primeira balada do disco. "'10's" é uma das melhores - e mais injustiçadas - composições presentes no álbum. A letra, claramente, trata da questão do vício de Anselmo e o solo... o que falar do solo? Apenas ouça. Possui uma classe e pegada única. Um dos melhores solos de Dimebag e que compete diretamente com "Floods" (nona canção) para o melhor do álbum.

"Solo de Floods"

Bem... O que falar de "Floods"? Considero essa faixa uma das mais única na carreira da banda e do metal. Assim como a "10's" é uma balada, porém possui mais variações e "climas" durante seu decorrer, mas é claro tenho que destacar o riff pesado, baseado em alavancadas, e o grande solo que surge quase no fim da música. Sendo este solo muito lembrado em inúmeras votações como o melhor já criado pelo guitarrista. Recomendo o ouvinte que preste atenção na conclusão da música, pois é um grande momento de inspiração. A maneira como Rex Brown completa a guitarra nessa música também merece ser cittada.

Voltando as faixas mais pesadas, temos "13 Steps to Nowhere" - que riffs, que bateria! - e "Living Through Me (Hells' Wrath)".

Logo na sexta faixa temos a primeira sequência de "faixa-gêmeas" com Suicide Note Part I. Essa primeira parte é calma, possui algumas dobras de vocais em harmonias e Dimebag troca sua guitarra por um violão de 12 cordas. Incrível como os efeitos passam nessa balada, que possui uma certa influência do southern rock/country, um clima de desespero que sincroniza com a letra.

A banda conseguiu criar um disco ótimo, anti-comercial, pesadíssimo e completo. "The Great Southern Trendkill" é um disco difícil de digerir, mas que tem uma tendência forte a te cativar mais a cada audição. Mesmo não sendo um dos álbuns mais indicados para se conhecer o "Pantera", - e podendo assustar nas primeiras audições, principalmente em que é ligado na fase mais antiga do grupo, por conta da agressividade - esse álbum não merece ser esquecido.

"The Underground In America" e " (Reprise) Sandblasted Skin" - que é uma espécie de continuação da faixa anterior - encerram com o mesmo nível de violência dos segundos iniciais desse disco que é um dos mais brutais e agressivos já lançados no metal. Sim, mais brutal e agressivo que muito black/death metal por aí, e num contexto histórico desfavorável, visto que se o "Pantera" lançasse algo mais comercial poderia ter crescido no mercado, ao invés de seguir na direção oposta. Tente pensar no rumo que as bandas similares, de thrash e heavy metal, tomaram nessa época...

Nota: 10

Músicas-chave:
10's ; Suicide Note (Parts I and II) ; Floods

Formação:
Phil Anselmo - vocal
Dimebag Darrel - guitarras
Rex Brown - baixo
Vinnie Paul - bateria

Tracklist:

1. The Great Southern Trendkill 03:46
2. War Nerve 04:53
3. Drag the Waters 04:55
4. 10's 04:49
5. 13 Steps to Nowhere 03:37
6. Suicide Note, Pt. I 04:44
7. Suicide Note, Pt. II 04:19
8. Living Through Me (Hell's Wrath) 04:50
9. Floods 06:59
10. The Underground in America 04:33
11. (Reprise) Sandblasted Skin 05:39

Tempo total: 53:04

[coluna] Playlist #3: Metallica - The Memory Remains

2011-07-09T01:03:00.008-03:00

Single de "The Memory Remains"

Os americanos do "Metallica" no, já distante, ano de 1996 surpreenderam o mundo - e chocaram fãs mais radicais, é verdade - com o lançamento do álbum "Load". Além de novos elementos musicais, o álbum em questão apresentava uma roupagem mais direta, polida e, no geral, acessível ao som pesado praticado pelo grupo.

Um ano após o lançamento de "Load", o "Metallica" anunciou uma espécie de "continuação" do álbum - "Reload" (1997) surgiria do "excesso de produção" do disco anterior. Trocando em miúdos: a obra é , basicamente, resultado das sobras de "Load". Entre polêmicas, acusações de fãs mais radicais, clipes na MTV, turnês extensas etc. o álbum "Reload" produziu alguns clássicos, contrariando o que alguns na pensavam na época de seu lançamento. Um desses clássicos é "The Memory Remains" - o primeiro, e controverso, single realizado para "Reload".

A música

"The Memory Remains" pode ser encarada como uma das canções mais "Metallica" de tal fase do grupo. Porquê? Explico: fugindo do caráter mais experimental, essa faixa baseia-se, quase que integralmente, nos riffs e linhas vocais de James Hetfield. Além disso, bebe da fonte de boas doses de heavy metal - lembrando que a característica dessa fase é uma "baixa" nesse quesito - e torna-se fácil constantar, após ouvir "Load" e "Reload", que "The Memory Remains" é uma das músicas mais agressivas de ambos os álbuns, tornando, por consequência, tal canção uma das mais diferenciadas desse período.

Tendo 4:39 de tempo, "The Memory Remains" possui uma estrutura musical bastante radio friendly: seu início com o refrão ("fortune, fame, mirror...") ; os pequenos leads de guitarra e até mesmo a inclusão de uma ponte estratégica ("ashes to ashes, dust to dust...") entregam essa possível intenção de seus compositores (James Hetfied e Lars Ulrich). . Isso claro, sem esquecer a participação, tanto no clipe quanto na música, da atriz, cantora (e também ex-esposa do rockstar Mick Jagger) Marianne Faithfull com seus antológicos "nanananana..." durante a canção. Afinal, como uma voz cansada - e um pouco desafinada, convenhamos - solfejando uma (grudenta) melodia não chamaria atenção? Principalmente em uma música de uma banda como o "Metallica"? Uma grande sacada de marketing, mas que (infelizmente) ofusca a simples - porém belíssima - melodia desses trechos que podem ser ouvidos durante o "meio" e fim da composição respectivamente.

Todavia, em execuções ao vivo (que podem ser conferidas em DVDs oficais do grupo como: "S&M", de 1999, ou no mais recente "Orgulho, Paixão e Glória" , de 2009) quem não simpatiza com a "belíssima" voz de Marianne poderá ouvir as linhas instrumentais acompanhadas do coro do público. Sim, "The Memory Remains" possui uma grande energia ao vivo. Inclusive fez a alegria de alguns brasileiros, na cidade de Porto Alegre, na última passagem do grupo no Brasil.

As letras da música baseiam-se no filme "Sunset Boulevard" (Crepúsculos dos Deuses, no Brasil) de 1950, e trata, basicamente, da ideia obcessiva (beirando a loucura) de um personagem que busca reconquistar a fama a qualquer custo. Sendo o conceito da letra genérico para outras situações, mas ainda com o ar de obscuridade tradicional as letras da banda. <Veja a tradução>

No que se refere a técnica, "The Memory Remains" mostra-se uma composição simples, sem grandes "reviravoltas" (mudanças de tempo) e sem fugir de campos harmônicos tradicionais ao estilo. Os momentos de climax ocorrem na, já citada, ponte e durante os trechos do "nananana..." - sendo esta a parte mais imprevisível na composição, além de contar um grande arranjo de guitarras duetadas ao fundo.

O riff principal (que pertence ao refrão) lembra algumas composições clássicas do heavy metal, como "Sabbath Bloody Sabbath" (do "Black Sabbath") e "Wratchild" (do "Iron Maiden") e até mesmo uma composição antiga da próprio "Metallica": "Fade to Black". No entanto, o riff que serve de base para os versos da música é, talvez, um dos melhores: soa impactante, improvisado. Creio que tanto o "bend" (técnica de guitarra na qual a corda é esticada para cima ou para baixo) - durante a execução do riff -, como a escala em que o mesmo se encontra (pentatônica), passa uma pequena aura "blueseira" ao excerto. Em relação ao vocal, James realiza uma boa performance cantando de uma forma bem "alta", ou seja, uma vocalização grave, porém mais aguda se comparada ao passado. Além disso o vocalista consolida de vez seus famosos "yeah!"

Numa época em que solos longos eram pecados nos hits das rádios, Kirk Hammett os executou, aqui, de forma simples, curta e eficiente - com um adicional extra de wah-wah, é verdade. O maior mérito é o fato deles (solos) fluirem de forma natural. A bateria de Lars Ulrich, com viradas bem interessantes ao longo da música, em conjunto com o baixo - que infelizmente não soa tão claro, apenas acrescenta mais peso - de Jason Newsted, completam a música.

O clipe

Lançado em Novembro de 1997, o clipe foi dirigido por Paul Andresen e apresentou uma boa rotatividade na MTV. Além da participação dos membros da banda, o vídeo também contou com a presença de Marianne Faithful.

Comentários Finais:
"The Memory Remains", com o passar do tempo, firmou-se como clássico e uma das grandes composições da banda. Mesmo com toda a "acessibilidade" criticada por fãs radicais, a canção possui muitos elementos de heavy metal, as vezes camuflados, mas estão lá.

[coluna] Apresentando: Treminhão

2011-06-27T23:05:00.009-03:00

Popular principalmente em estradas nordestinas, Treminhão é o nome dado a um tipo específico de caminhão, com três carrocerias, designado ao transporte da cana-de-açúcar. Tal termo, desde o ano de 2003, ganhou um outro - e musical - significado: passou a representar, também, um dos maiores expoentes da música instrumental pernambucana. Só que esse Treminhão, ao invés das três carrocerias do veículo canavieiro, possui seu núcleo concentrado em três músicos.

Oriundo da cidade do Recife, o trio formado por Breno Lira (guitarras, violão e viola), Marcos Mendes (baixo) e Ricardo Fraga (bateria) tem como principal proposta unir elementos da música brasileira, especialmente a nordestina, aos improvisos e harmonias complexas do jazz numa pretensão de realizar uma música universal e, sobretudo, rica.

Tendo lançado dois álbuns no mercado - "Treminhão" (2005) e "Panelada" (2007) -, o trabalho do grupo caracteriza-se por ser, com exceção de faixas especiais (cantadas por vocalistas convidados), instrumental. Mas não qualquer instrumental... a música do "Treminhão" é marcado pela inclusão de diversos ritmos, mudanças de tempo, passagens intricadas e, as já citadas, harmonias complexas. Tudo isso, as vezes, numa mesma composição, com o (grande) mérito de não cair nas armadilhas do virtuosismo piegas, explico: apesar da complexidade, a música do grupo não restringe, ou seja, é capaz de atrair atenção de qualquer tipo de ouvinte.

"A gente faz música pro mundo. Uma música que, apesar de ter influências e ritmos do Nordeste, todo mundo pode gostar. Em qualquer lugar do planeta, inclusive", diz Breno Lira (guitarrista).

Treminhão (2005)

Responsável pela estréia do trio, o que se ouve aqui são excelente canções que passeiam, principalmente, por diversas influências da música regional nordestina, inclusive com a adição de instrumentos "da terra" como o pífano e a rabeca. Faixas como "Baião para Edvaldo" e "Sedna" mostram, além da excelente composição em si, um ótimo entrosamento entre músicos. A incrível performance técnica dos membros pode ser vista ao longo do álbum mas é ,especificamente, em "Sedna" - um verdadeiro devaneio jazzístico e, talvez, a composição mais diferenciada da obra - que a performance individual rouba atenção. Também é notável a preocupação em separar temas "grudentos" nos arranjos de forma que esse recurso torne a audição mais fácil, principalmente para aqueles não possuem o costume de ouvir música instrumental . Basta ouvir a faixa de abertura ("Sertão") para compreender essa ideia. No meio de tantas composições instrumentais, a excessão fica por conta da sétima canção ("Peleja") que possui participação de Maciel Salú nos vocais.

Panelada (2007)

O segundo disco da banda, assim como o anterior possui 13 músicas. Aqui tais composições marcam, principalmente, por possuirem uma abordagem musical mais ampla. Claro que a raiz nordestina se faz presente - músicas como "7 Flechas" e "Pifando" deixam isso claro - porém a inclusão de outros estilos, assim como as participações de outros músicos, é ainda maior que outrora. A evolução do grupo mostrou-se bastante positiva, pois é notável que conseguiram ficar mais "complexos", ao mesmo tempo, "acessíveis" um grande feito, diga-se de passagem. "Ventos da Boa Vista", cujo título faz referência a um bairro central do Recife, é uma das mais interessantes do disco, e pode resumir (bem) a obra no geral. Outro grande destaque é a oitava faixa ("Monte Heraldo"), que além da clara homenagem ao guitarrista pernambucano Heraldo do Monte, conta com a participação do próprio.

Contato:
treminhao@globo.com

Ouça:
http://tramavirtual.uol.com.br/treminhao

[resenha - álbum] Morbid Angel - Illud Divinum Insanus

2011-06-12T21:06:00.012-03:00

Ano de lançamento: 2011

Não é novidade, para quem conhece a discografia dos americanos do "Morbid Angel", que o grupo jamais repetiu uma mesma fórmula musical em seus trabalhos, buscando sempre a inclusão de novos elementos. O "marco zero" da banda - "Altars of Madness" (1989) - apresenta death metal clássico em seu estado bruto numa época em que Trey Azagthoth (guitarras) e seus asseclas eram pioneiros na música extrema. Contudo, em lançamentos posteriores - sobretudo em álbuns como "Covenant" (1993) e "Domination" (1995) - experimentalismos e fusões com outros subgêneros do heavy metal, em especial o doom, marcaram a obra do grupo que tornou-se conhecido por nuncar "estacionar" em sua zona de conforto.

"Illud Divinum Insanus", além de marcar a volta de David Vincent (baixo e vocais), também é resultado da espera de oito anos sem um álbum de inéditas. Tais fatores, incluindo o período "experimental" passado, fizeram os fãs acreditarem que teríamos aqui uma volta as raízes, ou um típico álbum "mais-do-mesmo" na hora certa. Uma faixa tocada ao vivo há mais de dois anos ("Nevermore") apontava, para o então futuro álbum, um caminho clássico, direto. Mas não, não foi isso que Trey planejou para o oitavo álbum da sua banda - ao menos não em sua totalidade...

"Omni Potens" é a faixa responsável pela abertura do álbum. Trata-se de uma introdução bem sinistra e doom, com os vocais graves de Vincent - a lá canto gregoriano - complementando o som dos teclados fúnebres de Trey, ao estilo "filme de terror". Até então tudo nos padrões da banda, certo? A primeira surpresa ocorre logo na próxima música ("Too Extreme!") que, em seu início, apresenta elementos industriais e eletrônico. Destoando, consequentemente, do clima da introdução e claro... assustando os desavisados. A conclusão é que "Too Extreme!" uma música pouco inspirada, totalmente experimental e forçada, com alguns momentos interessantes e... é apenas isso. Não entendi o motivo de sua inclusão após "Omin Potens", visto que ela além de não "fundir-se" bem com a intro, "assustará" boa parte dos ouvintes - ouvintes tradicionais da banda, obviamente - logo no início da audição do disco, pois além de tudo a faixa evoca influências de grupos não muito bem quistos, ao menos entre a maioria dos apreciadores do metal extremo, como "Rammstein" e "Marilyn Manson".

A terceira canção ("Existo Vulgoré") é uma das melhores: possui ótimos riffs e um refrão grudento - para os padrões de uma banda extrema, claro. Ótima faixa e uma excelente reciclagem do estilo clássico do "Morbid Angel". A produção do álbum mostra-se decente, o que acaba favorecendo a compreensão das partes mais extremas, em especial nessa música. Tim Yung, substituto de Pente Sandoval - baterista da formação clássica, afastado por problemas de saúde -, realiza um grande trabalho, demonstrando técnica e chamando atenção, mesmo estando no lugar de um baterista conceituado no estilo.

"Blades for Baal", uma das contribuições do segundo guitarrista da banda (Destructhor), diminui o pé no acelerador - em relação a "Existo Vulgoré" - e apresenta momentos mais cadenciados. Seu refrão não é lá muito inspirado, em oposição ao grande solo de guitarra, mas cumpre o papel. Apesar de não soar tão tradicional quanto a faixa anterior, não apresente elementos experimentais em oposição a próxima música ("I Am Morbid") que logo em sua introdução fará radicais desistirem de ouvir o álbum. Tal composição, em minha opinião, é um caso de experimento que deu certo nesse álbum. Diferente das outras faixas experimentais, aqui a influência tende mais pra um "death n' roll" com influências modernas - inclusive com vocais em coro simulando um público. "Morbid" Angel bebendo da fonte do hard rock? Talvez. Mas "I Am Morbid" é bem interessante no geral, além de contar com um ótimo refrão e solo de guitarra - um dos melhores do álbum, inclusive.

Continuando "a veia mais tradicional", o álbum conta com: "10 More Dead", "Nevermore" e "Beuty Meets Beast". A primeira possui riffs memoráveis, apesar de soar cansativa. "Nevermore", já citada, retoma a velocidade, sendo uma das faixas que mais chamará atenção de quem procura algo oldschool neste álbum. Todavia, os "ôÔôÔ" de Vincent aqui são, no mínimo, estranhos. Já "Beuty Meets Beast" remete a álbuns como "Domination" e, apesar dos bons momentos, soa cansativa.

As outras três faixas restantes - "Destructos Vs The Earth", "Radikult" e "Profundis - Mea Culpa" - são altamente experimentais, sendo a primeira um "techno death metal", praticamente. Bizarra. "Radikult" não foge muito da definição anterior, e "Profundis...", apesar de soar estranha, possui bons - e extremos - momentos. Se sai como uma faixa regular, em sua totalidade. Com certeza "Destructos...", "Radikult" e "Too Extreme!" representam os momentos mais "baixos" do disco.

Trey Azagthoth

No geral trata-se de um álbum bem ousado, quem imaginaria que o "Morbid Angel" faria uso de elementos eletrônicos, por exemplo? Obviamente a banda será acusada de vendida por diversos - e mais radicais - fãs. O álbum é ruim? Não. Perfeito? Não. Mas "crucificar" toda a obra apenas por conta das experimentações serem experimentações seria, no mínimo, idiotice. Sim, isso irá acontecer - na verdade já está.

A banda merece respeito por tentar inovardentro de sua proposta extrema. Contudo, algumas composições são, independente do experimentalismo, fracas e a distribuição das faixas, como comentado no início da resenha, é estranha. A sensação é que parte desse álbum parece um "EP" isolado e experimental, em oposição ao restante das composições. Em contrapartida a performance dos músicos é excelente, principalmente de Trey - que toca grande solos e riffs - e Vincent - que apesar dos anos segue com um dos melhores vocalistas do estilo. Vale a pena também mencionar a trabalhada arte da capa, realizada pelo designer brasileiro Gustavo Sazes.

Durante uma entrevista recente, David Vincent revelou que a banda pretendia, em "Illud Divinum Insanus", ampliar o conceito da música extrema. Terá o "Morbid Angel" conseguido tal pretensão? Farei uso de um clichê: - só o tempo dirá.

Nota: 6,0

Músicas-chave:
"Existo Vulgoré" ; "10 More Dead" ; "Blades for Baal"

Formação:

David Vincent - Vocais, baixo
Destructhor    - Guitarras
Trey Azagthoth    - Guitarras
Tim Yeung     - Bateria

Tracklist:

1.     Omni Potens     02:28
2.     Too Extreme!     06:13
3.     Existo Vulgoré     03:59
4.     Blades for Baal     04:52
5.     I Am Morbid     05:17
6.     10 More Dead     04:51
7.     Destructos Vs. the Earth / Attack     07:15
8.     Nevermore     05:08
9.     Beauty Meets Beast     04:57
10.     Radikult     07:37
11.     Profundis - Mea Culpa     04:06

[resenha - ep, download] Cangaço - Positivo

2011-04-23T22:50:00.017-03:00

Ano de lançamento: 2011

"Sivuca, Morbid Angel, Zé Ramalho e Death". Para uma mente mais fechada - ou pouco criativa - tais nomes não poderiam andar lado a lado, porém essas são algumas das influências do trio de heavy metal pernambucano "Cangaço".

No EP intitulado "Positivo", o primeiro lançamento oficial - levando em consideração que os anteriores haviam sido demos -, quem acompanha o trabalho da banda irá se surpreender: apenas uma composição desse trabalho possui seu conteúdo lírico em inglês ("The Second Hour") - idioma que havia sido usado em todas as outras letras do "Cangaço".

É sábido que o grupo - formado por Magno Lima (baixo e vocais), Rafael Cadena (guitarras e vocais) e, estreiando, André Lira (bateria) - já havia quebrado algumas barreiras em suas duas primeiros demos. Sim, refiro-me a incrível e inesperada fusão entre a música regional nordestina e o death metal que, além da competência técnica, certamente contribuiu para o trio, cujo tempo de estrada não chega aos dois anos, já ter participado de festivais como o "Wacken" e, mais recentemente, o "Abril Pro Rock".

A faixa-título abre o EP exibindo os riffs (experimente contá-los) já característicos do grupo, ou seja, com influência de melodias regionais e uma pegada bem pesada característica. Os caras conseguiram aqui, em menos de três minutos, uma ótima síntese do trabalho da banda.

"Positivo" é uma faixa bem orgânica, que mesmo com tantas variações pode soar simples (para os desavisados) pela naturalidade em que flui. O que é um bom sinal: o virtuosismo dos três não soa forçado. A letra é bem interessante: difere do comum por parecer, de fato, um poema (repente talvez? Haha). Desde que a presenciei em um show essa composição me mostrou o quanto os caras estão amadurecendo e desenvolvendo bem o próprio estilo. Ótimo cartão de visitas.

Na sequência vem a já citada composição em inglês ("The Second Hour") que, inicialmente, exibe uma veia mais tradicional, pesada e técnica. Porém segue com contornos mais "regionais" - ouça o interlúdio acústico. O violão duetado com a guitarra distorcida na introdução é um recurso bem interessante e que pode tornar-se marca da banda. Aliás o trabalho de guitarra de Rafael amadureceu muito - incorporar acordes mais abertos, na guitarra ainda distorcida, sem necessariamente usá-la limpa ou com o uso violões deixou seus riffs ainda mais característicos. Aliás, seu solo aqui é bem insano, caótico. Arrisco dizer que deixaria Trey Azagthoth (Morbid Angel) orgulhoso.

A terceira composição (de acordo com o encarte: "Sete Orelhas") inicia com uma linha de baixo que me fez achá-la prima - irmã, talvez - de "Ghost of Blood" (da primeira demo). O baixo domina bastante essa faixa, preenchendo (bem) várias lacunas. Já André Lira exibe umas ótimas linhas na bateria: soam mais percussivas, regionais - algo que senti falta até então. A música também chama bastante atenção pelas linhas vocais empolgantes, duetadas agressivamente por Rafael e Magno. Talvez fossem as melhores linhas vocais do EP se a última faixa ("Deserto do Real") não existisse.

"Al-Rasif" já mostra as referências desde seu título: significa - mais ou menos - o nome da capital pernambucana (Recife) em árabe. As letras são ácidas, críticas e bem feitas. Chamo atenção para as sessões instrumentais: são as mais insanas, jazzísticas e progressivas do EP. Tal canção mostra, de vez, a dedicação dos caras em criar arte e honrar a proposta do grupo.

A última faixa de "Positivo" é justamente a melhor: "Deserto do Real" tem ótimas linhas vocais duetadas e possui uma excelente letra como apoio. Filosófica e regional ao mesmo tempo. Algo com a qualidade que um "Zé Ramalho" escreveria, arrisco. Sua conclusão é uma das parte mais empolgantes do disco soando totalmente death metal. Essa faixa merece estar presente no setlist dos caras, com toda certeza!

Enfim, o fato das letras de "Positivo" serem, em sua maioria, em português é apenas mais uma barreira quebrada pelo grupo. Não sei se "Positivo" foi um experimento isolado, mas acredito que mesclar os idiomas entre as composições, tal como as bandas de folk européias fazem em seus discos, seja uma excelente opção para os caras. As composições em si estão ótimas, a execução excelente e as letras possuem uma qualidade rara. Todavia, senti falta de refrões mais grudentos, como o de "Devices of Astral" ou "Corpus Alienum", por exemplo. A produção está ótima e limpa. O cuidado na confecção da arte do EP também deve ser mencionado: tudo bem pensado para te transportar para o clima. Parafraseando Magno: "sempre em busca da identidade do heavy metal nordestino". Parabéns a banda por mais um (grande) passo.

Dica: experimente ouvir lendo as letras (o arquivo possui scans dos encartes)

Nota: 9,0

Formação:

Magno Lima (baixo e vocal)
Rafael Cadena (guitarra e vocal)
André Lira (bateria)

Tracklist (de acordo com o encarte):

01 - Positivo
02 - The Second Hour
03 - Sete Orelhas
04 - Al Rasif
05 - Deserto do Real

Download

Mais informações (e demos para download):
http://www.myspace.com/cangacometal

[resenha - álbum] Omfalos - Idiots Savants

2011-04-18T01:58:00.020-03:00

Uma das primeiras resenhas, que fiz aqui no blog, em que o membro da banda em questão me apresentou o álbum para uma possível análise. Gostei da experiência... incentivo quem tiver algo gravado, e quiser que eu resenhe, a me dar um toque (: Vamos a resenha...

Ano de lançamento: 2011

O "Omfalos" é um projeto de black metal experimental oriundo da capital federal brasileira (Brasília). O núcleo do grupo gira em torno de apenas duas mentes, que atendem pelos seguintes pseudônimos: Thormianak (guitarras) e Zé Misanthrope (vocais).

Confesso que quando recebi o release não imaginei que o grupo fosse superar tantos minhas expectativas. Mas que grata surpresa tive! É sempre bom ver uma banda que faz um som extremo, bem definido e caótico. Porém - por mais paradoxal que pareça -, bem feito e com sentido... não apenas uma grande massa de barulho dita como música.

A dupla trilha pelo caminho do black metal, mas resumir este álbum em tal rótulo seria ingenuidade, burrice. Ao ouvir as músicas você encontrará passagens que remetem desde ao doom metal, rock progressivo, melodic death metal até o já citado black metal em sua forma mais ríspida. Exemplo? "Bipolar Affective Disorder Suite" (sexta faixa) é uma das melhores composições desse trabalho e a que mais reune os elementos citados anteriormente.

Já a velocidade de faixas como "Drain the Air Out of my Lungs" e "Sleep State Misperception" remetem gigantes do metal extremo norueguês como "Enslaved" e "Immortal", só pra ilustrar alguns exemplos. Os solos de guitarra e riffs são afiados e bem feitos. A mixagem do álbum - realizada por Caio Duarte - contribui bastante para a audição, pois mesmo em meio ao "caos" tudo soa cristalino e no seu devido lugar.

Esse cuidado com a produção é assustador: toda a ambientação é realizada, no maior estilo progressivo - uso de sons como chuva, falas e sons ambientes no geral são utilizados. Tal recurso faz o ouvinte sentir ainda mais o clima de desespero das músicas. Sim, é um black metal que não cultua o Belzebu, mas se preocupa em aventurar-se pelos sentimentos mais obscuros da mente humana. Um olhar mais atento ao nome das canções revela isso facilmente, pois elas remetem a distúrbios como bipolaridade, insônia, síndrome do pânico... Tal fato pode revelar o álbum como uma obra conceital - dependendo da ótica analisada.

A sétima faixa ("A Funeral Dirge For My Sanity") diminui a velocidade das primeiras mósicas e mostra um som mais cadenciado que encheria o falecido Peeter Steele ("Type O Negative") de orgulho. Posso dizer, sem medo, que "Idiots Savants" vai crescendo aos poucos e te preparando para o final. Atento ao fato das músicas soarem bem distintas entre si - o que torna a audição do álbum bem agradável - e a vinhetas (primeira e oitava faixa respectivamente) não soarem desnecessárias, mas sim como partes essenciais da obra.

As vocalicações de Zé são excelentes: o cara varia muito entre o vocal gutural e o vocal limpo mais desesperado soando totalmente bipolar (perdão pela tentativa de trocadilho) em certas ocasiões.

Atualmente a dupla de músicos definiu uma formação especial para realizar apresentações ao vivo.

Tudo isso mostra um cuidado incrível dos caras em fazer arte de forma sincera e bem feita, um pouco barulhenta é verdade, mas ainda assim musical e compreensível. A cena do metal extremo - geral, não apenas nacional - seria melhor se todas as bandas entendessem a lição que esses brasilienses do "Omfalos" mostram em "Idiot Savants". Antes de ser black, gothic, ou qualquer outro rótulo, é apenas música sincera e bem feita. Recomendado.

Nota: 8,0

Músicas-chave: "A Funeral Dirge For My Sanity" ; "Bipolar Affective Disorder Suite" ; "The Naked Lunch" (acesse o MySpace do grupo).

Formação:

Zé Misanthrope (vocais e samples)
Thormianak (guitarras, baixo e teclado)

Dale Nixon - músico contratado - (bateria)

Tracklist:

01 - Que Bonito És um Entierro

02 - Drain the Air Out of my Lungs

03 - Sleep State Misperception

04 - The Naked Lunch

05 - Anonymous Hate Manifesto

06 - Bipolar Affective Disorder Suite

07 - A Funeral Dirge For My Sanity

08 - The Desperate Ballad Of The Motherless Child

09 - A Failed Experiment in Fitting Into This World

Mais informações:
http://www.myspace.com/omfalossavants

[resenha - shows] Festival Abril Pro Rock 2011 (@Chevrolet Hall, Recife/Olinda, 15/04/11)

2011-04-17T18:29:00.009-03:00

Bandas nacionais destacam-se na noite de "peso" do festival.

Dezenove anos marcam a primeira edição, do hoje tradicional, festival pernambucano "Abril Pro Rock". Mais tradicional ainda talvez seja o dia especial, em meio a várias datas, dedicado as vertentes do rock mais agressivas - como o punk, hardcore e heavy metal, por exemplo.

O dia 15, que inaugura a 19ª edição do evento, já estava marcado no calendário de muitos punks e headbangers que aguardavam, em sua maioria, por grupos como "Misfits" (EUA) e "D.R.I." (EUA) - ambas atrações internacionais da edição desse ano que ocorreu no "Chevrolet Hall".

Ainda encabeçou o "dia do peso" nomes nacionais como: "Torture Squad" (SP); "Violator" (DF); "Musica Diablo" (SP); "Facada" (CE) e, representando Pernambuco, "Cangaço" e "Desalma". Curiosamente a maioria das bandas nacionais sobressaírem-se realizando excelentes apresentações.

O "Abril Pro Rock" também representa uma oportunidade acessível - às vezes e única -, para quem mora na região, conferir tantas bandas em uma boa casa. Os preços dos ingressos estavam bem generosos: R$ 25,00 a meia e R$ 30,00 o ingresso social - e público até que fez sua parte lotando, aos poucos, o "Chevrolet Hall".

Por tratar-se de um festival - ou seja, várias bandas - achei melhor fazer comentários a respeito de cada apresentação ao invés de um grande texto corrido e detalhado.

- Cangaço -

Os portões abriram às 20h, emendando com a apresentação desse trio pernambucano que desponta como uma das maiores revelações no metal nacional. Quem chegou cedo pode conferir músicas do "Positivo"(novo EP do grupo) e o primeiro show, no Recife ao menos, com o novo baterista da banda (André Lira). Infelizmente perdi a apresentação do trio e só me restou lamentar e amaldiçoar a produção do evento por ter colocado logo uma banda como o "Cangaço" para abrir o festival. Notei que muita gente, que queria ver a banda, perdeu o show dos caras. Quem viu garantiu que foi uma grande apresentação... Não duvido.

*Teaser dos vídeos por Cacimba Produções *

- Facada -

Esse grupo cearense manda um grindcore linear e bastante agressivo. Talvez linear até demais. Esse fato fez o show dos caras burocrático e cansativo justamente por não existir nenhuma mudança significativa em suas músicas. Mas esse é a proposta do grupo que deve ter agradado quem curte uma desgraceira, como a vista em músicas como "Descendo Sangue Igual Torneira". Ao fim da apresentação dos cearenses era notável o aumento das pessoas nas instalações - já que a maioria chegou mais tarde.

- Desalma -

Assim como o "Cangaço" o "Desalma" também é uma das "pratas da casa". O trio realizou uma baita apresentação. Talvez a mais pesada da noite. Influência de bandas como "Pantera", "Sepultura"- e coisas mais modernas como o "Gojira" - são bem notórias no som do grupo que empolgou e interagiu bem com a platéia que, apesar de aguardar energias para a próxima banda ("Violator"), respondeu até que bem o som "quebrado" e pesado da banda.

- Violator -

Nitidamente uma das bandas mais esperadas da noite. O brasilienses do "Violator" realizam um thrash metal bem old school totalmente baseados nas bandas dos anos 80 do estilo, inclusive no visual. O som dos caras realmente não inova e nem tem pretensão disso: o que importa é que ao vivo a coisa funciona. Desde a abertura com a instrumental "Ordered to Thrash", emendada com "UxFxT (United For Thrashers)", ao fim con canções como "The Plague Never Dies" os caras tinham o público em mãos. As rodas foram imensas e o show teve direito até a stage diving de Pônei (baixista/vocalista) que deculpou-se com um dos seguranças em seguida. Pena que o som tenha atrapalhado um pouco a performance do grupo.

- Torture Squad -

É chover no molhado falar sobre a competência dos paulistas do "Torture Squad" - que divulgavam "AEquilibrium" (2010) - ao vivo. O domínio de palco e as vocalizações de Vítor Rodrigues (vocais) - bem fiéis as versões de estúdio - falam por si só. Pena que o público, em minha opinião, não tenha dado uma resposta merecida, que foi boa, mas não a altura deste que possivelmente foi o melhor show da noite. Desde em performance, a setlist e qualidade do som. A experiência dos caras está absurda e dizer que "Torture Squad" é a atual melhor banda de metal do Brasil não é exagero. Quem estava lá pode conferir isso através de músicas como "Raise Your Horns" - e uma grande participação da platéia -, "Horror and Torture", "Chaos Corporation" e a clássica "The Unholy Spell". Destaco também a performance do novo guitarrista da banda (André Evaristo).

- Musica Diablo -

Conhecido como o projeto paralelo de thrash metal do vocalista Derrick Green ("Sepultura") o "Musica Diablo" divulga seu debut auto-intitulado.A apresentação do grupo foi uma das mais esperada e, infelizmente, uma das que mais decepcionou. Nem faixas legais e bons músicos conseguiu salvar. Explico: a interação do Derrick com a platéia foi pífia. Houve momentos que ele não sabia o que falar, inclusive parando pra perguntar quem sabia inglês (???), fora que sua comunicação com o público resumia-se em alguma palavra aleatória + porra. A sensação que dava era de que ele estava muito deconfortável, diferente do Derrick do "Sepultura". Nem "Arise" salvaria. Bem, talvez salvasse...

- D.R.I. -

A primeira atração internacional da noite fez um show básico, porém energético. A influência dos caras nos anos 80 foi enorme e quem estava lá pode conferir de perto os riffs de "Beneath the Wheel" e "Thrashard", por exemplo. Inúmeros moshs pits foram feitos durante a apresentação e os integrantes participaram do show com a platéia, mas faltou algo. Talvez a linearidade das canções atrelado ao longo do tempo do festival, eles foram a penúltima banda, tenham prejudicado o show do grupo. Contudo, valeu a pena conferir uma das lendas do crossrover mesmo que não tenha sido como esperei. Quem imaginaria que "Violator" ia fazer um show mais energético que uma de suas maiores influências, por exemplo?

- Misfits -

A grande atração internacional. Muita gente estava lá só por conta deles - mesmo que a formação esteja bem diferente daquela que produziu os antigos clássicos da grupo. O som estava péssimo, talvez a pior equalização da noite. As primeiras músicas estavam irreconhecíveis, porém mesmo assim o grupo seguia tocando e emendando as faixa. O problema até que foi melhorando, mas não salvou a apresentação do grupo de ser... decepcionante.

Considerações:

Enfim, foi uma das edições mais pesadas do festival, mas que - como visto - contou com um bom número de decepções. Notei que o público pareceu valorizar demais o gringos, sendo que os melhores shows foram realizados por brasileiros - a única banda brasileira com uma resposta digna foi o "Violator".

A ideia de dividir o palco em dois foi excelente e ajudou na agilidade das apresentações. Explicando: uma banda terminava seu show e, pouco depois, outra começava a tocar no outro palco. No mais o "Chevrolet Hall" mostra-se um bom lugar para o evento mesmo que práticas como stage diving não sejam permitidas e o preço das bebidas lá dentro sejam rídiculos. Os problemas com os sons também merecem uma melhor revisão no futuro.

Site oficial:
http://abrilprorock.info/

[download] Ratamahatta - De Pernambuco Para O Mundo: Um Tributo Ao Sepultura

2011-04-12T01:27:00.008-03:00

Após espera de quatro anos sai tributo de bandas pernambucanas ao "Sepultura"

Quem conhece bem a música e história do "Sepultura" sabe o quanto a influência da música regional de Pernambuco deu ainda mais peculiaridade ao som do grupo. Falo especificamente da fase que rendeu álbuns como "Chaos A.D" (1993) e "Roots" (1996).

Aqui o ciclo de influências foi invertido: bandas pernambucanas (15 no total), com idealização de Emanuel Júnior, prestam tributo ao maior grupo de metal brasileiro com versões bem peculiares dos clássicos do "Sepultura."

A espera foi longa, faz cerca de 4 anos que o projeto foi anunciado, e algumas bandas que tocariam no tributo - como o "Chaosphere, por exemplo - nem mais existem. Mas, saiu! E o melhor: disponível para download gratuito, inclusive no site do próprio Sepultura. Os curiosos poderão ouvir versões inusitadas, - como o "Sonoris Fabrica" tocando a bela instrumental "Vatio" - versões agressivas e fiéis a originais - a exemplo do "Pandemmy" mandando "Convicted in Life" - e releituras interessantes - vide o "Cangaço" executando "Attitude".

Andreas Kisser, guitarrista do "Sepultura", comenta aos quatro ventos como admira a cultura do estado em questão e, segundo o músico, Pernambuco é um estado com uma cultura muito rica, única no mundo inteiro.

"Ratamahatta - De Pernambuco Para O Mundo: Um Tributo Ao Sepultura" mostra como o ciclo de influências na música se renova. Evidentemente possui altos e baixos como qualquer projeto do estilo (tributos), mas vale conferir.

Tracklist:

Cangaço - Attitude
Cruor - Escape to the Void
Desalma - Propaganda
Doleo Aeternus - Come Back Alive
Eternal Oblivion - Territory
Infested Blood - Beneath the Remains
Insurrection Down - Apes of God
Lethal Virus – Desperate Cry
Malkuth - Troops of Doom
Moria - Dead Embryonic Cells
Nobb - Roots Bloody Roots
Pandemmy - Convicted in Life
Sonoris Fabrica – Valtio
TrueViolence - Arise
Unscarred - Slave New World

Download

Fotos e releases

[resenha - álbum] Alcest - Souvenirs d'un Autre Monde

2011-03-22T19:52:00.008-03:00

Ano de lançamento: 2007

Fruto da mente do "solitário" músico Niege - que gravou todos os instrumentos - "Souvenirs d'un Autre Monde" transporta o ouvinte através de sua atmosfera melancólica a um mundo parelo. Mundo este oriundo dos sonhos de Niege durante a sua infância. Este fato explica o nome do álbum que, traduzido do francês, significa "Memórias de um outro mundo".

O Alcest começou praticando um black metal cru, tosco. Contudo, em seu primeiro EP - "Le Secret" (2005) - Niege já deu indícios de rumar para uma direção contrária ao metal extremo. Uma direção mais psicodélica e ambiente - opasta tradicional a agressão do metal. Na verdade este álbum possui apenas resquícios de heavy metal, sendo sua rotulação uma tarefa complica, injusta. A bateria talvez preserve alguns elementos do metal extremo, com o uso de batidas típicas do black metal. Incrivelmente esse estilo "baterístico" não soa deslocado, apenas contribui para deixar o som do Alcest ainda mais peculiar.

O álbum inicia-se com "Printemps Emeraude" exibindo uma poderosa "parede sonora de guitarras" e melodias melancólicas. Apesar do longo tempo da canção a forma como tudo se encaixa e envolve o ouvinte é fantástica. As linhas de baixo também são ótimas. Diferente das composições do primeiro EP as partes dessa canção não parecem "costuradas" e apontam o "Alcest" para uma direção impensável para um projeto que nasceu no metal: o shoegaze e post-rock.

O trabalho de guitarra não é o tradicional no rock n' roll/heavy metal, isso pode causar estranheza a que está acostumado a um formato mais linear de riffs e solos, pois o instrumento é mais usado para criar camadas sonoras do que para destacar-se na música.

"Souvenirs d'un Autre Monde" e "Les Iris" continuam a "grande viagem".

O trabalho de violão também é bem intenso: o instrumento domina quase todas as composições do músico. Remetendo a bandas como o "Opeth". Essa característica, além do uso do idioma natal do músico (francês), também é uma das principais da banda.

Um outro atributo do trabalho que chama atenção são os vocais limpos de Niege. Eles funcionam como mantras que ficam em segundo plano - isso quando não são usados coros -, no fundo da música. Isso cria um efeito envolvente e nostálgico no ouvinte - o que deve ter sido a grande intenção do compositor.

A quarta faixa ("Ciel Errant") talvez seja uma das mais melancólicas do disco, sua levada acústica inicial mesmo que evolua em riffs distorcidos preserva as tais melodias tristes. As linhas de guitarra solo complementares são muito boas e aqui repetem a ideia das primeiras faixas. Sem excessos de notas, apenas o essencial. Essa sutileza talvez seja o grande charme, em especial, dessa música.

Audrey e Niege

"Sur L'autre Rive Je T'attendrai" possui vocais femininos realizados por Audrey Sylvain. Essa canção assim como a próxima apontam para uma direção mais "folk" que até então não havia sido visto com tanta evidência no disco. O trecho de encerramento - após o "falso final" - com o dedilhado durante os "sons de mar" são um grande deleite progressivo.

A última faixa ("Tir Nan Og") é uma das mais singulares da obra. Além de apresentar um trabalho de percussão bem interessante também destaca-se pela inclusão dos teclados. Essa é uma das minhas favoritas do disco, pois possui melodias bem grandiosas sem soar piegas. O encerramento do álbum não podere ser mais épico. O título da canção faz referência a uma expressão irlandesa sobre uma mitológica "ilha da juventude".

Em suma, "Souvenirs d'un Autre Monde" é um grande trabalho. Único, diferenciado, peculiar. Poderia procurar ir além do uso desses sinônimos para sintetizá-lo, porém não acho adjetivos diferenciados que melhor definam essa obra que não esses. É um disco escrito, aparentamente, sem pretensões comerciais... apenas música do fundo da alma de quem compôs.

Por sua peculiaridade obviamente atrairá tantos admiradores quanto detratores, na mesma proporção. Seu único defeito talvez seja a duração das faixas que, por não variarem muito, pode tornar a audição do álbum cansativa. Recomendado para quem gosta de grandes viagens psicodélicas em forma de música. Um conselho final: não vá escutar esperando heavy metal e... muito menos black metal.

Nota: 8,0

Músicas-chave:

Printemps Emeraude ; Ciel Errant ; Tir Na Og

Formação:

Niege - vocais e todos os intrumentos

Tracklist:

1.   Printemps Émeraude   07:19
2.   Souvenirs d'un autre monde   06:08
3.   Les Iris   07:41
4.   Ciel Errant   07:12
5.   Sur l'autre rive je t'attendrai   06:50
6.   Tir Nan Og   06:10

Tempo total: 41:20

[matéria] Meses & Música

2011-02-28T03:55:00.006-03:00

Sempre achei um fato curioso o fascínio (ou necessidade) que nós, seres humanos, sentimos em "marcar" o tempo - seja por meio de dias, meses, anos etc. Como se isso, de alguma forma, nos desse uma espécie de "controle" sobre o temido tempo. Dias, anos, segundos, minutos, meses... Ah, eles são diferentes. São poéticos. Costumam nos remeter sentimentos diversos. Sempre tiveram uma importância, um fascínio maior em quase todos os indivíduos.

Os meses, para algumas pessoas, podem ser responsáveis por atribuir personalidade - ao nascermos -, passar sentimentos. Na língua inglesa seu uso em nomes próprios é comum, justamente como forma de atribuir algo positivo que certo mês transmite aquela pessoa, creio. Independente de acreditar nisso ou não o fascínio que os meses causam nos seres humanos é um fato.

A música, como uma das maiores manifestações artísticas de qualquer cultura, reflete isso de uma maneira peculiar. A associação de composições com meses é mais comum do que se imagina. Como se o sentimento daquela canção podesse ser expressado, igualado com o transmitido por aquele mês em específico - para o artista que a compôs, obviamente. As estações também causam um efeito de fascínio similar: "As Quatro Estações" de Vivaldi talvez seja o maior exemplo.

Opeth: os maiores mestres na "arte"

Após pensar nisso elaborei um playlist bem aleatório - e incomum, eu sei - de algumas músicas utilizando apenas... canções cujos títulos faziam referência a algum mês! O resultado foi uma "salada musical " bizarra, mas ainda assim interessante, que compartilho abaixo:

1. Black Label Society - January do álbum "Order of the Black" (2010)

2. Foo Fighters - February Stars // "The Colour and The Shape" (1997)

3. Down - On March the Saints // "Over the Under" (2007)

4. Uli Jon Roth And The Sky Orchestra - April Rain // "Metamorphosis of Vivaldi's Four Seasons (2003)

5. The Jimi Hendrix Experience - May This Be Love // "Are you Experienced?" (1967)

6. Roxette - June Afternoon // "Don't Bore Us, Get to the Chorus" (1996)

7. Katatonia - July // "The Great Cold Distance" (2002)

8. Warrel Dane - August // "Praises To The War Machine" (2008)

9. Type o Negative - September Sun // "Dead Again" (2007)

10. Opeth - Forest of October // "Orchid" (1996)

11. Mad Season - November Hotel // "Above" (1995)

12. Iced Earth - Last December // "Burnt Offerings" (1995)

Tal seleção ilustra, mesmo que superficialmente, o que quis dizer acima. Repare como as músicas de "fim de ano" soam mais depressivas do que as que "iniciam o ano". Somos bem sugestivos a nossa "marcação" de tempo, não? ;P

PS: Ok, forcei um pouco a quinta faixa. Mas é Hendrix. (:

[resenha - show] December’s Metal Fest [Cangaço] (Bomber Rock Bar, 18/12/10)

2011-02-28T01:50:00.004-03:00

Essa resenha foi postada originalmente no Recife Metal Law. Contudo, resolvi postar aqui com o intuito de servir como "registro histórico" - até porque o evento ocorreu há mais de dois meses. Bem, o texto foi criado meio nas pressas, visto que só assisti dois shows do evento e não tinha pretensão de resenhá-lo. Até que, alguns dias depois, o Valterlir Mendes (webmaster do Recife Metal Law) pediu para que eu tentasse escrever algo... e saiu isso aí. :P

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Após o thrash metal reto e visceral do "Cruor" surge, apresentando seu death metal intricado, a quarta banda da noite: o Cangaço. Este trio, sempre se destacando pelo “traje regional”, demorou um pouco para ajustar os equipamentos, mas conseguiu empolgar a plateia até durante a passagem de som - com direito a "Gojira" (!).

A apresentação teve início com “Positivo”, canção inédita cuja letra em português - única até o momento - encaixou-se bem na sonoridade da banda. Logo em seguida o grupo continuou com - em minha opinião - uma de suas melhores músicas: “Corpus Alienum”, música que abre a Demo “Parabelo” e, além de sintetizar o som da banda, possui interessantes trocas de vocais entre Rafael Cadena (guitarra) e Magno Lima (baixo).

Nessa altura a presença de palco dos integrantes e domínio sobre o ambiente/plateia já chamavam minha atenção. Durante a primeira pausa Magno aproveita pra anunciar a canção mais antiga da banda, pertencente à época de sua antiga banda (Vectrus). A linha de baixo marcante, acompanhada do riff anuncia “Ghost of Blood”. Essa música talvez seja a mais Death Metal do grupo, e “danificou um pouco” - no bom sentido - o ambiente. A próxima pausa serviu para Magno parabenizar e convidar o vocalista - e aniversariante - Alcides Burn para a brutal versão de “Devious Instinct” do Monstrosity. Versão esta que fez jus a original: bateria e riffs afiadíssimos garantiram uma ótima performance homenageando não só Alcides, mas uma banda que poderia ter sido mais reconhecida (Monstrosity).

Destaco os agradecimentos do Magno para os veículos de mídia (websites, blogs, zines, etc.), foi um agradecimento bem inesperado naquele momento. Logo em seguida o grupo ataca com a ótima “Status Variabilis”, garantindo um dos maiores momentos de empolgação do público. A próxima canção foi a já clássica “Device of Astrals”. Essa música dispensa comentários, só sua introdução é de fazer cair o queixo. Para desfecho do evento houve uma incrível homenagem ao mestre Chuck Schuldiner com uma versão para “The Philosopher”. Confesso que quando vi Rafael iniciar o famoso tema em tapping de abertura fiquei muito surpreso - não imaginava a execução dessa canção - e ela caiu muito bem para a banda, levando ainda em conta que o estilo de Magno Lima assemelha-se ao de Steve DiGiorgio. Chuck ficaria honrado. Curiosamente o show do grupo era previsto para abrir O evento, mas com o sorteio - decidido de última hora pelas bandas - a banda acabou sendo a penúltima do evento. Mais sorteios introduziriam o show do Subinfected...

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[resenha - dvd] Opeth - Opeth In Live At Royal Albert Hall

2011-02-22T11:28:00.013-03:00

Ano de lançamento: 2010

A execução integral de álbuns clássicos, seja em um show especial ou em uma turnê inteira, vem tornando-se uma prática comum entre as bandas de rock/heavy metal. Prova disso são nomes como "Rush", "Megadeth", "Metallica" e "Slayer" - que renderam-se a ideia executando seus álbuns mais famosos.

Em seu terceiro lançamento em DVD - o primeiro foi "Lamentations" (2005) e o segundo "The Roundhouse Tapes" (2007) - os suecos do "Opeth" aproveitaram tal ideia como forma de celebrar seus 20 anos de atividade. No caso do grupo liderado por Mikael Åkerfeldt (vocais e guitarra) o álbum escolhido foi o aclamado "Blackwater Park" (2000) - cujo lançamento, na época, completava 10 anos.

As faixas de "Blackwater Park", disponíveis no DVD1 do lançamento, foram tocadas de forma ininterrupta - respeitando rigorosamente a ordem do CD - e não houve espaço para interação com a platéia. Tal fato deve ter causado estranhamento em quem sabe como o Mikael se comporta nos shows - o cara fala pacas!

Canções como "Dirge for November" - cujos mp3 e vídeo foram liberados como prévia - e "The Funeral Portrait" foram as grandes novidades pelo fato de, normalmente, não serem executadas pela banda. Já músicas como "Bleak" e "The Drapery Falls" - as mais "queridinhas" do público, digamos assim - receberam uma ótima resposta do público.

Algumas das músicas vistas em outros DVDs aqui ganharam uma versão mais sólida. Foi o caso de "The Lepper Affinity", cujo solo de piano em seu encerramento foi incluso, e "Harvest". Esta última com uma performance vocal (limpo) superior a vista em "Live Lamentations". Completa o primeiro DVD uma entrevista, cujas perguntas foram feitas por fãs, com Mikael.

Quanto a performance individual dos membros não há muito o que comentar: o "Opeth" é uma das melhores bandas "ao vivo" da atualidade. A música da banda é complexa, mas mesmo assim o nível é mantido sempre. Esse DVD também apresenta o guitarrista Fredrik Åkesson - que não havia participado de nenhum outro vídeo do grupo -, que revela-se um grande guitarrista ao vivo e, inclusive, tecnicamente superior ao seu antecessor (Peter Lindgren).

Deixo uma observação a respeito da vocalização gutural de Mikael: aqui ela encontra-se menos "intensa" - mas bem longe de ruim - em relação aos outros DVDs do grupo. As principais afetadas foram as músicas iniciais do concerto. Em contrapartida seus vocais limpos estão no seu ápice.

Quem nunca viu a performance da banda com certeza deverá se assustar com a facilidade que Åkerfeldt transita entre o canto extremamente limpo e o gutural agressivo. Tal dualidade é um dos maiores diferenciais do som do "Opeth". Isso em todos aspectos, não apenas no canto.

O segundo DVD trata-se de uma espécie de retrospectiva da história do grupo. Explicando: a banda executa uma canção de cada disco, respeitando a ordem de lançamento, e Mikael adiciona comentários sobre a época em questão. Inclusive aproveitando-se disso para apresentar os membros. Petardos como "Forest of October" - que versão! - e "The Moor" - incrível como essa complexa canção, cheia de variações e linhas de guitarra foi executada ao vivo - são os destaques desse DVD. Mais a frente a banda ataca com a agressiva "Wreath", destaco Martin Axenrot (bateria) - o cara destruiu tudo aqui - e a bela "Hope Leaves" - que foi incrementada com um ótimo solo de Frederick Åkesson em seu fim.

Além desse grande chamariz (a execução de "Blackwater Park") a casa de show escolhida também chama atenção: o lendário "Albert Hall" já foi palco de inúmeros shows e peças teatrais na Inglaterra. Monstros do rock n' roll como "Deep Purple" - veja a homenagem com a capa -, "Creedence Clearwater Revival" e "Camel" já registraram apresentações na histórica casa londrina. Mas quem ia imaginar que um grupo de prog death metal (ou seja lá como você queira rotular a banda) iria tocar em um local desses? Indagação esta, inclusive, comentanda por Mikael ao longo da apresentação.

Dos discos mais recentes - "Ghost Reveries" (2005) e "Watershed (2008)" - as representantes foram: "Reverie/Harlequin Forest" e "The Lotus Eater" respectivamente. A primeira, na minha opinião, trata-se de uma das melhores composições da banda e não costumava ser tocada ao vivo na turnê de seu álbum de origem. É uma canção bem melódica e progressiva - aqui os teclados são essencias para criar camadas sonoras - e seu outro (finalização) é espetacular. Já a segunda, iniciada com uma melodia cantada, mescla muito bem as origens pesadas e progressivas da banda - vide a parte instrumental no meio da música. O curioso foi a demora para arrumarem a guitarra de Frederick, fato este que fez a canção alongar-se um pouco.

Homenagem ao "Camel" no encarte

Completam o segundo DVD uma espécie de documentário com a banda cujo foco seria a gravação deste show. O vídeo extra mostra como foi a preparação da casa, como os membros se portaram, dentre outra coisas. Interessante no contexto da obra.

Capa original do "Deep Purple"

Enfim, "In Live Concert At The Royal Albert Hall" firma o "Opeth" como uma das bandas mais competentes ao vivo e uma das mais relevantes do estilo na atualidade. São dois "sets" perfeitos, leve em consideração que só uma música padrão da banda (com uns 10min. e cheia de variações) já seria um enorme desafio pra uma banda de rock/heavy normal. Claro que a já comentada energia no vocal assusta - por menor que seja -, porque os caras são os mais próximos de perfeitos que pode-se exigir de uma banda ao vivo.

O "Blackwater Park" pode ser não ser o seu álbum favorito do "Opeth" - e não é o meu -, mas é um divisor de águas na carreira da banda. Fato. Parabéns a banda que conseguiu realizar - mais um - lançamento especial e diferenciado para seus fãs.

Nota: 9,5

Formação:

Mikael Åkerfeldt - vocais e guitarra

Fredrik Åkesson - guitarra

Martín Méndez - baixo

Martin Axenrot - bateria

Per Wiberg - teclado

Setlist:

1.    The Leper Affinity    11:01
2.    Bleak    09:41
3.    Harvest    07:02
4.    The Drapery Falls    10:31
5.    Dirge For November    08:55
6.    The Funeral Portrait    08:58
7.    Patterns in the Ivy    02:30
8.    Blackwater Park    12:40
----------------------------------
9.    Forest of October    18:01
10.    Advent    16:01
11.    April Ethereal    10:51
12.    The Moor    12:34
13.    Wreath    13:40
14.    Hope Leaves    07:12
15.    Harlequin Forest    14:01
16.    The Lotus Eater    11:59

Tempo total: 02:55:37

[resenha - álbum] Warrel Dane - Praises To The War Machine

2011-02-14T02:19:00.027-03:00

Ano de lançamento: 2008

O vocalista americano Warrel Dane é sinônimo de "Nevermore". Com tal grupo Warrel popularizou sua assinatura artística, ou seja, vocais carregados de interpretação e ótimas letras. Tais características, como esperado, marcam sua estréia em carreira solo com o álbum "Praises To The War Machine".

Além de excelentes músicos em sua banda Dane contou com a participação de nomes como James Murphy e Jeff Loomis ("Nevermore"). Tratando-se das composições Peter Wichers ("Soilwork") foi o braço direito do vocalista; com ele que Dane assinou quase todas as músicas do disco. A parceria rendeu canções pesadas, mas ainda assim acessíveis e diretas. Subentende-se que tais atributos criem um grande diferencial em relação ao som intricado do "Nevermore". Dúvidas?

O álbum inicia-se com a pegajosa "When We Pray". Tal composição, logo em seus primeiros segundos, revela-se mais modernosa do que tudo que Warrel Dane já tenha realizado. Embora o conteúdo lírico exiba temas mais corriqueiros em sua carreira - como questionamentos de um ser superior, por exemplo - a música soa "nova". Em seguida surgem "Obey" - com um grande solo de seu companheiro de banda Jeff Loomis - e "Messenger". Ambas as faixas seguem uma mesma linha: diretas com riffs e refrões cativantes.

A primeira surpresa surge com o cover de "Lucretia My Reflection". A canção, originalmente do "Sisters Of Mercy", aqui ganhou uma roupagem moderna e mais pesada. Os vocais graves e dramáticos de Dane cairam como uma luva nessa versão. Curioso é saber que o cantor originalmente é um barítono, pois essa característica nunca foi explorada profundamente em sua carreira - seja no "Nevermore" ou "Sanctuary" - e aqui o modo como ele utiliza os tons mais graves chama atenção desde o início.

A quinta canção ("Let You Down") diminui o ritmo - tratando-se de peso - das primeiras faixas. Nota-se o maior investimento em melodias nesse ponto. O refrão, bem melódico, é um dos mais grudentos do disco - o que não é algo fácil, visto que o disco é rechado com excelentes refrões. O forte emprego de linhas melódicas segue em "August". Canção que é simplesmente um dos maiores petardos do álbum. O que dizer da sublime interpretação de Warrel Dane? Sua interação com o instrumental aqui atinge seu ápice, casando perfeitamente com as linhas sombrias e melancólicas das guitarras. Sem esquecer de seu de seu desfecho: um dos momentos mais "acelerados" - e inesperados - em "Praises to The War Machine".

As canções mais "baladeiras" aparecem na sétima, nona e décima primeira faixas ("Your Chosen Misery" , "Brother" e "This Old Man" respectivamente). A primeira soa como uma prima distante de uma antiga faixa do "Nevermore" chamada "Chances Three". Ambas são lentas com Warrel harmonizando seus vocais graves com tons mais altos. Trata-se de uma boa música, mas que no meio de outras com a mesma proposta soa menos forte.

Já "Brother", cuja letra narra nitidamente fatos bem pessoais, é uma das composições mais belas do disco com letra (e interpretação) transbordando sinceridade de Dane. Essa música também rendeu um bom video-clipe. Outro destaque fica por conta de "This Old Man" , trata-se uma música que alterna momentos mais limpos/distorcidos com riffs realmente bons e possui, possivelmente, a performance mais dramática - veja isso como um ponto positivo - de Dane em todo álbum. Ouça a capacidade de interpretação do "rapaz" na última linha vocal da música para compreender.

Completam o álbum as faixas: "The Day The Rats Went To War" - boa, contudo chama mais atenção pelo solo de guitarra de James Murphy -; "Patterns" - excelente versão para uma música de Simon & Garfunkel - e a "nevermorísticamente" pesada: "Equilibrium". Esta última poderia figurar facilmente em um álbum do "Nevermore" tamanha a similaridade dos riffs com o adotado em sua banda principal. Destaco também a faixa-bônus "Everything is Fading": a canção está presente apenas para aqueles que desfrutarem da versão digibook de "Praises To The War Machine"¹. Não entendo porque uma canção tão boa foi deixada de lado do tracklist do álbum, seu potencial para música de trabalho (single) era enorme. Leve em consideração que há dois covers no disco ("Lucretia My Reflection" e "Patterns")...

Após a audição do disco pode-se concluir que Warrel Dane foi bem sucedido em sua estréia: "Praises To The War Machine" é um baita álbum de metal/rock e, independente da qualidade individual das músicas, ainda cumpre com sua proposta como projeto paralelo. Explico: o álbum soa diferente das composições corriqueiras do artista - sendo uma boa alternativa para quem quiser um lado diferente do cantor. Como bônus some ótimos músicos (em sua banda) e o fato das canções não soarem piegas ou forçadas: tem-se aqui um projeto promissor, realmente válido. Que venha um próximo álbum!

Nota: 8,5

PS¹:
...ou para os que possuem internet. :P Resolvi "upar" pra quem quiser conferir, pois não é lá muito fácil de ser encontrada.

Músicas-chave:
August ; This Old Man ; Everything Is Fading (MegaUpload)

Formação:
Warrel Dane - vocais
Peter Wichers - guitarra, baixo nas faixas 1, 2, 3, 5, 7, 8, 9, 11
Matt Wicklund - guitarra, baixo nas faixas 4, 6, 10, 12
Dirk Verbeuren - bateria

Tracklist:

1.    When We Pray    03:38
2.    Messenger    03:59
3.    Obey    03:14
4.    Lucretia My Reflection (Sisters of Mercy cover)    04:38
5.    Let You Down    03:54
6.    August    03:48
7.    Your Chosen Misery    04:10
8.    The Day The Rats Went To War    03:37
9.    Brother    03:24
10.    Patterns (Simon & Garfunkel cover)    04:01
11.    This Old Man    03:43
12.    Equilibrium    03:53

Tempo total: 45:53

[matéria ; download] Dark Hall: o lado "jazzy" de Steve DiGiorgio

2011-01-20T03:30:00.012-03:00

O virtuoso baixista Steve DiGiorgio tem seu trabalho comumente associado ao heavy metal. Tal associação é facilmente explicada pelo seu currículo, que inclui nomes como "Sadus", "Death", "Iced Earth", "Testament", "Sebastian Bach" etc. Constantemente o músico é lembrado pela mídia especializada como um dos melhores instrumentistas em seu gênero .

O que poucos sabem é que DiGiorgio explora outros caminhos além da música pesada. A banda "Dark Hall" é responsável por um destes. O grupo, que existe desde 1992, pratica um jazz fusion - estilo que casa bem com o jeito improvisador e pouco linear de tocar do baixista-, e encontra-se num estado de "hibernação" atualmente. Infelizmente.

Apesar do longo tempo de existência a banda possui apenas cinco músicas disponíveis, sendo 4 delas da última demo (de 1998) e outra que pertence a uma antigo demo (de 1994).

A música do grupo é complexa e inteiramente instrumental. Nota-se, em pouco tempo de audição, o quanto Steve DiGiorgio parece "livre" tocando esse estilo musical. Os outros músicos do projeto - Flamp Sorvari, Chris Dugan e Ken Schultz - exibem total domínio em seus instrumentos. Contudo, o que brilha no som do "Dark Hall" é o sax e o baixo - tocado por Sorvari e DiGiorgio respectivamente -, com incríveis "duelos" em faixas como "Chaging Weather".

É lamentável que o grupo, hoje, parece estar em estado de hiatus, tendo em vista a tamanha qualidade das composições presentes nesta demo; o projeto segue sem novidades há mais de 10 anos, tornando remota a possibilidade de novas composições. Resta aproveitar o pouco - na verdade muito - que o projeto rendera.

As músicas estão disponíveis para download gratuito (individualmente) no site do Steve DiGiorgio. Para facilitar a vida - e ajudar a 'espalhar' com mais facilidade -, upei todas as faixas em um link único.

Dark Hall - Demo (1998)

01. Changing Weather

02. Synaptic Static

03. The Pharaoh and the Nomad

04. Dark Hall

05. Orange Moon

Download

(re-upado em 22/01/2012)

Site:
http://www.stevedigiorgio.com/darkhall/

[opinião] Música: o estudo é necessário?

2011-01-17T04:15:00.002-03:00

Em uma manhã ensolarada lá estava eu, no Sítio Histórico de Olinda (PE), prestes a realizar um de meus últimos trabalhos para a disciplina de Radiojornalismo - sim, curso Jornalismo. Talvez o fato da atividade envolver música de alguma maneira - na verdade envolvia de todas as maneiras: tratava-se de uma matéria em uma Escola de Música - neutralizava meu suposto mau humor (recapitulando: acordar cedo, trabalho para faculdade, lugar longe de casa, ônibus...).

Enquanto desenvolvia minha nobre função como repórter tive a oportunidade de, obviamente, interagir com jovens aspirantes a músicos, e tal conversa despertou-me uma curiosidade sobre o modo de pensar, bastante peculiar, da maioria deles. Basicamente a ideia de existir músicos que tocam e criam músicas sem saber ler partituras soa abominável, ridícula, digna de pena. Isso me fez refletir sobre o estudo formal da música: será totalmente necessário ou dispensável?

Vejo o estudo formal da música como uma ferramenta extra para o objetivo final, que seria compor canções. Contudo, algo me impressiona entre, por exemplo, atuais apreciadores de música erudita que estudam formalmente. Porquê não existe uma grande quantidade de composições novas disponíveis? Estudar música apenas para executar obras alheias? Simplesmente não faz sentido, ao menos pra mim. Não consigo ver um real valor em músicos que "apenas" executam, como Andres Segovia - mesmo apesar de toda importância. Músicos como Bach e Mozart não frequentaram faculdades de música, por exemplo.

Lembro-me que eu e meu amigo - Alexandre, produtor da matéria - perguntamos a alguns estudantes se poderíamos registrar a execução, através da flauta doce, do hino de Pernambuco e, apesar deles conhecerem bem a música, sem uma partitura por perto não existia uma execução sequer aceitável. Uma relação de extrema dependência que vinha de pessoas que, pouco antes, menosprezam músicos que não haviam feito um estudo formal. Um tanto quanto estranho, não? Lembro de um trecho da conversa, algo próximo disso:

- Minha irmã 'tirou a música de ouvido', mas sem nunca ter aprendido partituras. Reclamei e tomei a flauta dela para tocar apenas quando tiver aulas!

Será esse conceito certo?

Não quero pregar contra o estudo da música, pelo contrário: considero útil e, como já disse, uma grande ferramenta. Mas, penso que música tem de vir da alma, ser natural, caso contrário torna-se algo mecânico, chato e sem vida - tanto na execução quanto composição.

Também acredito que o músico que não consegue compor é incompleto. Existe uma gama de nomes que, com uma técnica razoável em seu instrumento e pouco conhecimento teórico, conseguiram criar músicas que emocionam pessoas. Você recorrer sempre a composições alheias é uma limitação grave. Para que estudou música? Para apenas tornar-se um robô emulador? Não consigo compreender isso.

A música precisa ser viva, sentida, natural - seja ela jazz, metal, sertanejo ou música erudita -, e sem isso não a estudo que resolva...

[resenha - álbum] Mad Season - Above

2011-01-14T00:28:00.010-03:00

Ano de lançamento: 1995

O "Mad Season" foi um "supergrupo" de músicos emergentes da famosa cena grunge em Seattle. Cena esta que, no começo da década de 90, dominou as rádios exportando bandas para todo o mundo.

Lançado no que seria o fim de tal "era" (1995) "Above" foi o único álbum do grupo que foi composto por nomes como: Layne Staley (Alice in Chains), Mike McCready (Pearl Jam), Barret Martin (Screaming Trees) e John Baker Saunders (The Walkabouts). Achou pouco? Mark Lanegan (Screaming Trees) empresta seu característico vozeirão para duas canções do disco ("Long Gone Day" e "I'm Above") completando um time impressivo para qualquer admirador do estilo.

O álbum inicia-se com a longa e envolvente "Wake Up". A típica música que vai crescendo aos poucos, e que, apesar do ótimo instrumental, chama mais atenção pela interpretação de Layne - totalmente com alma, triste e com sentimentos. Quando você menos perceber será envolvido pela serena linha de baixo, que cresce até a música tornar-se um grande desespero - no bom sentido. Encerrando com um final tão calmo quanto seu início. Grande faixa.

Tenho que apontar um grande trunfo do álbum logo no início desta resenha: o fato de "Above" ser "irrotulável". O experimentalismo predomina na maioria das canções, cujos estilos variam constantemente. Há desde momentos blues e hard rock até horas de pura viagem acústica, por exemplo. "Long Gone Day" - oitava faixa e um dos singles do disco - exemplifica isso. A canção é baseada num incrível dueto entre Staley e Mark Lanegan, com um envolvente clima acústico que é completado por uma ótima percursão. O uso de sax também chama atenção, com um excelente solo no meio da música.

Outra que enfantiza o experimentalismo é "Artificial Red", porém com as experimentações evidenciando a veia blues dos músicos, com uma grande performance de Layne nos vocais e McCready na guitarra. "Artificial Red" prova a incrível versatilidade de ambos, com várias seções que parecem ter vindo de improvisos. Com certeza um dos destaques do álbum.

Mais experimentalismos? A penúltima canção "November Hotel" uma instrumental de 7min. e pura loucura psicodélica. Parece que veio do espaço. O que falar da guitarra dessa música? Carregada de efeitos e variações fantásticas. Seria injustiça não comentar a incrível "cozinha" formada por John e Barret, que complementam essa grande "viagem". A música que encerra o disco ("All Alone") soa como uma grande continuação dessa faixa - mantendo o clima psicodélico -, com a adição de uma espécie de mantra ("All alone...We're all alone...") que enfatiza o clima de desespero do registro em seu encerramento.

Saindo das "viagens" para o lado mais pesado, direto e, talvez, grunge do disco temos a ótima "I Don't Know Anything" - com um grande e incrivelmente pesado riff de guitarra (que anos mais tarde "apareceu" em "Slave", do "Silverchair") - e "Lifeless Dead" - com um riff não tão pesado, mas igualmente grudento. Ambas figurariam facilmente em algum disco do "Alice in Chains". Já "X Ray Mind" - segunda música do álbum - consegue reunir o lado experimental com a pegada mais direta das outras duas canções citadas.

Por fim sobram duas grandes músicas: "River of Deceit" - o principal single do álbum, com um clipe bem rodado - e "I'm Above". A primeira soa como uma irmã perdida de "Nutshell" do "Alice in Chains": é igualmente melancólica, bonita e envolvente. "I'm Above" - que possui Lanegan nos vocais - mescla momentos mais lentos com uma certa dose de agressividade, conta com um dos melhores refrões do álbum e um belo solo de violão. Liricamente o disco é bem linear, seguindo uma temática soturna e depressiva, as letras de "River of Deceit" resumem bem a obra nesse aspecto, por exemplo.

Mark Lanegan: apesar de sua participação ser breve, metaforicamente falando, seria como uma espécie de "cereja no topo do bolo". Seus duetos em "Long Gone Day", felizmente, foram registrados ao vivo durante a performance do "Mad Seson" no vídeo "Live At The Moore" - único registro ao vivo do projeto.

A melancolia vista nas músicas do álbum é facilmente explicada pelo momento que os músicos da banda passavam: o "Mad Season" fora formado por McCready e John Baker quando ambos se conheceram num centro de reabilitação, some o fato de Layne Staley afundar-se cada vez mais em heroína, por exemplo. Anos mais tarde tanto Staley quanto Barker faleceram por overdose.

Infelizmente o mundo nunca chegou a ver o prometido segundo álbum do "Mad Season", e até mesmo os shows foram escassos: apenas uma turnê no ano de lançamento do debut. Talvez todos esses fatos tornem "Above" mais único, especial. Uma das maiores obras-primas - infelizmente não tão reconhecido - que a cena grunge já produzira, sendo resultado da união de talentosos músicos e uma prova que supergrupos podem dar certo.

Nota: 10

Músicas-chave:

River of Deceit ; Wake Up ; Artificial Red

Formação:

Layne Staley - vocais

Mike McCready - guitarras

John Baker Saunders - baixo

Barrett Martin - bateria

Participações:

Mark Lanegan - vocais em "Long Gone Day" e "I'm Above"

Nalgas Sin Carne - saxofone e percursão em "Longe Gone Day"

Tracklist:

1. "Wake Up" – 7:38
2. "X-Ray Mind" – 5:12
3. "River of Deceit" – 5:04
4. "I'm Above" – 5:44
5. "Artificial Red" – 6:16
6. "Lifeless Dead" – 4:29
7. "I Don't Know Anything" – 5:01
8. "Long Gone Day" – 4:52
9. "November Hotel" – 7:08
10. "All Alone" – 4:12

[resenha - álbum] Cynic - Focus

2010-12-24T19:56:00.026-03:00

Ano de lançamento: 1993

"Focus" é um daqueles álbuns únicos e especiais. Totalmente singular, inovador e arriscado. Tendo seu lançamento no ano de 1993, o disco foi visto com certa desaprovação na época. Desaprovação esta vinda dos puristas que não conseguiam compreender a proposta da banda. Tal fato contribuiu para a dissolução do Cynic - antes mesmo do lançamento de um segundo álbum (felizmente, após mais de 10 anos, a banda reuniu-se e gravou outro disco).

O grupo originalmente praticava um vigoroso thrash metal - que a cada demo lançada tornava-se mais técnico. Logo no começo dos anos 90 as principais mentes por trás do Cynic - Paul Masvidal (guitarra & vocal) e Sean Reinert (bateria) - "dão um tempo" e ingressam no Death, do saudoso Chuck Schuldiner. Após essa experiência o disco de estréia da banda é lançado. "Focus" rompe as barreiras do heavy metal com influências gritantes de jazz fusion e vocais limpos carregados de efeito - os famosos vocais robóticos-, tudo isso aliado com generosas doses de peso e momentos leves e sutis, quase ambientais.

"Veil of Maya" é responsável pela abertura do álbum. A faixa resume bem o som do grupo, possuindo boa parte das características que aparecerão em outras canções do disco. Sendo uma dessas características uma assinatura do grupo: os refrões parecendo mantras (ahamkara, veil of maya...), com o vocal robótico intercalado com os guturais. Os solos, revezados por Paul Masvidal e Jason Gobel, são absurdamente técnicos. A dupla soa como uma versão heavy metal de Al Di Meola e John McLaughlin (Mahavishnu Orchestra) - ambos guitarristas de fusion.

Quem acha que a essa altura já sabe como o disco irá soar quebrará a cara: as faixas são completamente singulares e diferentes entre si. Abordando o lado mais metal, e refletindo a influência de death metal da banda, temos as faixas mais pesadas do álbum - mas, ainda assim cheias de variações e momentos mais limpos -, que são: "How Could I" - com um incrível solo de guitarra no final - e "Uroboric Forms" - repleta de riffs pesadíssimos e uma bateria que remete o que Sean fez no Death. Ambas são as faixas com mais uso de vocal gutural, vocais estes que foram gravados por Tony Teegarden, que foi convidado para participar das gravações e também contribuiu tocando teclado.

Outros destaques ficam para o lado mais fusion desse registro, representada por "Textures" e "Sentiment". O baixo, incrivelmente jazzístico, de Sean Malone destaca-se nessas faixas. "Textures" é uma canção instrumental que dispensa comentários. Cheia de incríveis variações e muito peso - é um tipo de música que deixa claro que o heavy metal chegou em um outro nível. Já "Sentiment" tem excelentes linhas de bateria, com Reinert mostrando incrível criatividade e domínio nas baquetas. A característica mais marcante dessa faixa são as vocalizações, explico: elas não "dominam" a música. É como um grande "plano de fundo" com o instrumental destacando-se, lembra uma narrativa. Enfim, faixa muito interessante.

As músicas restantes ("I'm But A Wave To..." , "Celestial Voyage" e "The Eagle Nature") são igualmente excelentes e mesclam bem todos os elementos do álbum. Na versão remasterizada, que saiu em 2004, "Focus" conta com as seguintes canções adicionais: "Cosmos", "Endless Endeavors" e "The Circle's Gone". Todas excelentes faixas que seguem mais ou menos o estilo de "Sentiment". Também foram inclusos remixes de "How Could I" - com um destaque maior no teclado - "Veil of Maya" e "I'm But A Wave To...")

Liricamente as músicas parecem, assim como o instrumental, terem vindo do espaço. É possível encontrar nas letras diversas referências a mantras, espiritualidade, paz e coisas desse tipo - o que reflete bem o gosto de Paul Masvidal por meditação e similares. Muitos termos complexos envolvendo psicologia e temas que envolvam reflexão também são abordados.

Enfim, "Focus" é uma verdadeira obra prima. Felizmente foi reconhecido, mesmo que tenha sido anos depois de seu lançamento. Claro que as músicas, por sua alta complexidade, podem causar estranhamento em uma primeira audição. Logo recomendo que o ouvinte, principalmente para quem não aprecia fusion ou death metal - ambos gêneros musicais de difícil assimilação - insista e tente entender o som, que por ser tão singular soa estranho. Caso você desconheça, este álbum pode ser sua porta de entrada pra alguns desses estilos.

Concluo a resenha recomendando "Focus" para qualquer um que tenha a mente aberta, goste de um instrumental bem tocado, e aprecie música que fuja da obviedade.

Nota:

Músicas-chave:

How Could I ; Veil of Maya ; Uroboric Forms

Formação:

Jason Gobel - Guitarras
Sean Malone - Baixo
Paul Masvidal - Vocal, guitarras
Sean Reinert - Bateria e teclados

Tracklist:

1.    Veil of Maya    05:23
2.    Celestial Voyage    03:40
3.    The Eagle Nature    03:31
4.    Sentiment    04:24
5.    I'm But a Wave To...    05:31
6.    Uroboric Forms    03:32
7.    Textures    04:42
8.    How Could I    05:29
9. Veil of Maya [2004 Remix] (5:21)
10. I'm But a Wave To... [2004 Remix] (5:21)
11. How Could I [2004 Remix] (6:19)
12. Cosmos (4:21)
13. The Circle's Gone (5:20)
14. Endless Endeavours (9:55)

[download] Frank Zappa - Shut Up 'N Listen To This Shit (coletânea)

2010-12-23T01:10:00.006-03:00

Este post tem por finalidade divulgar esta ótima coletânea (não oficial) feita pelo amigo Camões.

Para quem não sabe a discografia de Frank Zappa é muito extensa - ele possui mais de 80 discos dos mais variados estilos -, logo é fácil concluir que sintetizar sua obra seja uma tarefa bem complicada e digna de aplausos.

Se levarmos em consideração que o acesso a sua música é difícil, até mesmo em meios virtuais, essa coletânea ganha ainda mais significado e também explica a exceção feita a esta postagem.

Bem, fica aí esta ótima oportunidade de introdução a obra de um dos músicos mais controversos, criativos e geniais de nossa época. Recomendado para os reais amantes de música, fãs de experimentalismos e, sobretudo, da guitarra elétrica.

Um detalhe curioso, e que nunca me foi questionado, é o fato de eu usar uma citação do Zappa no topo do blog. Explico: Frank Zappa enxergava o jornalismo musical como uma piada. Um tanto contraditório em um blog desse tipo, não? Mas o objetivo daqui é justamente ser diferente, ou um "pouco melhor" do que é feito atualmente nessa área. (:

*Frank Zappa, caso estivesse vivo, completaria no dia 21 desse mês 70 anos de idade.

CD1:

01 - Transylvania Boogie
02 - My Guitar Wants To Kill Your Mama
03 - Inca Roads
04 - Can't Afford No Shoes
05 - Who Are The Brain Police
06 - Camarillo Brillo
07 - Don't Eat The Yellow Snow
08 - Willie The Pimp
09 - G-Spot Tornado
10 - Dancin' Fool
11 - Father O'Blivion
12 - Shut Up 'N Play Yer Guitar
13 - Concentration Moon
14 - Teen-Age Prostitute
15 - Filthy Habits
16 - Catholic Girls
17 - Outside Now Again
18 - The Torture Never Stops
19 - Let's Make The Water Turn Black
20 - The Ocean Is The Ultimate Solution

Download

CD 2:

01 - Peaches En Regalia
02 - Po-Jama People
03 - Joe's Garage
04 - You Are What You Is
05 - Son Of Mr Green Genes
06 - Chunga's Revenge
07 - Black Napkins
08 - Disco Boy
09 - Bobby Brown Goes Down
10 - Cheap Thrills
11 - The Sheik Yerbouti Tango
12 - Cocaine Decisions
13 - Variations On The Carlos Santana Secret Chord Progression
14 - Son Of Orange County
15 - Night School
16 - Invocation & Ritual Dance Of The Young Pumpkin
17 - Whippin' Post (The Allman Brothers Band Cover)
18 - More Trouble Every Day
19 - Titties 'N Beer
20 - Muffin Man

Download

OBS1:
As capas foram feitas pela mesma pessoa que confeccionou a coletânea. Eis o link do blog do meliante: http://ecstasyofcamoes.blogspot.com/

OBS2:
Defini o gênero como jazz fusion - é o único que pode abranger todo o universo musical de Zappa.

[resenha - álbum] Pink Floyd - Animals

2010-12-12T23:20:00.011-03:00

Ano de lançamento: 1977

Em um período não muito favorável para o rock progressivo (1977), o grupo britânico Pink Floyd lança aquele que possivelmente seja o registro mais injustiçado, difícil e genial de suas carreiras: "Animals". Apesar da já citada dificuldade do gênero na época - que perdia espaço para o punk, por exemplo -, o Pink Floyd não abriu mão de sua criatividade artística a favor da "máquina" criando um álbum conceitual cujas músicas eram enormes em tempo e variação, ou seja, honrando mais do que nunca a vertente musical da banda - o rock progressivo.

Para entender esta obra musical em sua totalidade se faz necessário, inicialmente, compreender o conceito de "Animals". O disco é conceitual, ou seja, todas as canções são conectadas entre si, como uma grande história - característica do gênero progressivo - ,e tal conceito tem por base a obra literária "A Revolução dos Bichos", de George Orwell. Roger Waters (baixista e vocalista) adotou a ideia principal do livro - que consiste em uma analogia entre o homem e espécies de bichos como porcos, cachorros e ovelhas - e introduziu no conceito lírico do álbum. Coube, principalmente, a David Gilmour (guitarra e vocal), Richard Wright (teclado) e Nick Mason (bateria) criar as camadas sonoras instrumentais que casam perfeitamente com o tema, "transportando" o ouvinte do início ao fim em uma das maiores críticas ao mundo capitalista realizadas através da música.

A abertura do álbum é feita com "Pigs On The Wing (Part 1)", uma espécie de epílogo - a voz e violão - que na verdade foge da temática principal do álbum, pois trata-se de uma curta canção de amor. Curiosamente o disco se encerra com a segunda parte de "Pigs On The Wing", que é bastante similar a primeira. Ambas as canções diferem do restante do álbum funcionando como uma forma de esperança - baseada no amor - "envolvendo" as outras faixas do ábum: "Dogs"; "Pigs (Three Different Ones)" e "Sheep". Todas essas músicas baseando-se, liricamente, no conceito do livro.

A capa do disco é uma imagem real. Trata-se de uma fotografia tirada na lendária central elétrica de Balttersea, no ano de 1976, em Londres. A capa tem a finalidade de resumir o conceito do álbum: o porco que sobrevoa a imagem demonstra ganância e a imagem da fábrica passa toda a ideia de poder emanada pelos "porcos".

"Pigs (Three Different Ones)" trata dos políticos corruptos, cujas carreiras são realizadas com base na exploração das pessoas; moralistas e classes opressoras em sua totalidade. Os "porcos" controlam os "cães" e as "ovelhas" representando a classe "dominante". Isso talvez explica porque tal faixa seja uma das mais "agressivas" do disco. Sua introdução de teclado é a coisa mais próxima de macabra que Richard Wright ja compôs. As linhas de baixo são bem interessantes e chamam atenção ao longo da música, mas engana-se quem acha que Waters superou-se nessa faixa... Anos mais tarde David Gilmour confessou que o baixo fora gravado por ele. A única queixa seria a sensação que essa música poderia durar mais: o solo Gilmour no fim poderia ser infinito, na verdade. Destaque também para o uso da talk box na guitarra de David Gilmour a metade da canção, criando um excelente efeito atmosférico.

Já "Sheep" faz referência direta as pessoas que nada fazem para mudar o mundo, que apenas seguem o "rebanho". Seguindo a lógica anterior, as "ovelhas" seriam os "dominados". Durante a música ainda há a citação do Salmo 23 - o que mostra claramente a vontade, de Waters, em criticar as instituições religiosas que alienam as pessoas e as transformam, gradativamente, em "ovelhas". Musicalmente "Sheep" é uma canção bem interessante, com ótimas linhas vocais - que apenas pecam por sua repetição - e ótimas camadas sonoras durante toda a música. A levada funk de Gilmour no final encerra a música com maestria.

Por fim a mais genial das músicas do "Animals", e com certeza uma das melhores do Pink Floyd: "Dogs". A faixa possui longos 17min. que realmente assustam de início, mas ao ouvir a canção nem apenas um segundo parece ser desnecessário. Em suma, os "cachorros" seriam uma espécie de meio termo entre os "porcos" - para quem serviriam - e as "ovelhas" - para quem aplicariam as ordens, cuja vontade máxima seria um dia virem a ser "porcos". Dando a entender que os "cães" seriam espécies de burgueses buscando a ascensão. Curiosamente a morte dos "cães" é anuncianda no fim de "Sheep" e em "Pigs on the Wing Part 2" Roger Waters revela-se um "cão". Contudo, o que destaca-se em "Dogs" é a música em si, totalmente envolvente, hipnótica e psicodélica... completamente Pink Floyd.

A guitarra de David Gilmour é mágica, divergendo de outros virtuosos do gênero como Steve Howe (Yes). Gilmour não possui uma técnica escambrosa e economiza nas notas, mas todas as suas notas querem "dizer" algo, e em "Dogs" isso fica evidente: são solos e várias melodias memoráveis. Isso sem comentar seus excelentes vocais nessa canção, cuja autoria é divida por Waters - que possui todos os créditos das outras músicas.

Apesar de toda a ideia base vindo de Waters sua contribuição em "feeling", seja cantando ou tocando, foi essencial para o impacto das músicas do disco.

"Animals" é um álbum completamente anti-comercial, que curiosamente foi um disco bastante premiado, e de difícil digestão, mas que quando mais assimilado mais cativa o ouvinte. Merece ser ouvido, apreciado aos poucos, e dissecado nos mínimos detalhes. Trata-se de um álbum atemporal, cujas letras ainda são relevantes. Infelizmente marcou o início da época ditatorial de Roger Waters - que culminou na separação do "Pink Floyd" - na banda, querendo mandar e ser creditado ao máximo pelas composições, algo que mais tarde passou a ser questionável quando o fato dele não ter gravado a maioria das linhas de baixo do disco foi revelado. Enfim, "Animals" é uma das maiores obras da banda, que infelizmente foi ofuscado por outros álbuns e não teve todo o destaque merecido.

Nota:
10

Músicas-chave:
Dogs ; Pigs (Three Different Ones) ; Sheep

Formação:

Roger Waters - baixo e voz

David Gilmour - guitarra e voz

Richard Wright - teclados

Nick Mason - bateria

Tracklist:

   1. "Pigs On The Wing (Part 1)" – 1:25
   2. "Dogs" – 17:08
   3. "Pigs (Three Different Ones)" – 11:28
   4. "Sheep" – 10:20
   5. "Pigs on the Wing (Part 2)" – 1:25

[matéria] Álbuns-tributo: forma para tirar proveito ou apenas homenagens?

2010-11-21T22:34:00.026-03:00

Álbuns-Tributo tornaram-se febre principalmente no meio do rock n' roll / heavy metal há alguns anos. Não precisa procurar muito para deparar-se com alguns deles, e as modalidades são muitas. Existem desde tributos tradicionais - com bandas famosas tocando covers do artista homenageado-, a tributos inusitados como versões em piano de clássicos do rock ou até mesmo versões infantis para músicas do Metallica (!).

Tal prática mostrou-se uma boa alternativa tanto para selos pequenos - que querem divulgar bandas desconhecidas - quanto para gravadoras maiores, e atualmente é bastante difundida. Existe quem defenda, vendo o lado positivo da prática, e existe quem acha pura perda de tempo.

Um exemplo recente é o caso envolvendo a banda de Heavy Metal Manowar. Após a morte do vocalista Ronnie James Dio o conjunto despertou polêmica por, pouco tempo depois do fato, anunciar a produção de um tributo ao finado vocalista. Tributo este que contaria apenas com bandas pertecentes ao selo (Magic Circle) do próprio líder do Manowar - Joey DeMaio. A ex-esposa de Dio demonstrou publicamente sua desaprovação a ideia, inclusive referindo-se como uma mera tentativa de lucro em cima da tragédia do vocalista. A banda defendeu-se e lançou o tributo pouco tempo depois.

Outro caso envolveu o vocalista norueguês Jorn Lande (Masterplan) - que lançou um álbum com covers de Dio, que leva o nome de.... Dio. Este fato fez que muitos acusarem o cantor de "aproveitador", mesmo com o músico deixando claro que era um grande fã de Ronnie e o tributo estava sendo encaminhado há um certo tempo.

Jorn chegou inclusive a participar de shows com o Heaven and Hell como forma de tributo a Ronnie James Dio.

Os tributos são vistos como forma de homenagear um certo artista - muitas vezes influência da banda que faz o cover - ou oferecer alternativas diferentes e curiosas da execução daquela música. O fato é que a produção desenfreada dos mesmos resultou na criação de muitos tributos sem alma, cuja intenção é apenas empurrar algo feito nas coxas. Ou seja, perde-se o conceito básico de homenagear, e o pior: acaba não existindo arte.

Segue abaixo uma lista dos que, em minha opinião, tratam-se de excelentes trabalhos. Como existem muitos, é óbvio que um ou outro ficou de fora. Tentarei separar por modalidade para maior compreensão. Bom deixar claro que não trata-se de um "top" ou algo do tipo, são apenas recomendações postadas de forma aleatórias.

Tributos ao vivo:

Paul Gilbert - Tribute To Jimi Hendrix (1991) [Jimi Hendrix]

Este tributo foi gravado em um festival de jazz na Alemanha. Trate-se de Paul Gilbert - mundialmente famoso por ser guitarrista do Mr. Big - fazendo ótimas interpretações de algumas músicas de Jimi Hendrix. O legal desse tributo fica por conta dos vocais de Paul, que ficaram bem encaixados, e as longas sessões de improviso durante as músicas.

Ouça

Hey Joe ; Red House

Hammer of the Gods - One Night in Montreal (2006) [Led Zeppelin]

Hammer of the Gods na verdade é uma banda formada por Mike Portnoy (bateria) Paul Gilbert (guitarra), Dave LaRue (baixo) e Daniel Gildenlöw (vocal) para um show especial focado em músicas do Led Zeppelin. Mike Portnoy (ex-líder do Dream Theater) organizou vários tributos desse tipo, mas este aqui é um dos mais bacanas da "série". Daniel Gildenlöw (Pain of Salvation) conseguiu emular bem as linhas vocais do saudoso Robert Plant. Isso sem citar que a qualidade de gravação e o setlist escolhido é excelente.

Ouça:
Out on the Tiles ; Black Dog ; Heartbreaker

Dream Theater - Dark Side of the Moon (2005) [Pink Floyd]

Na minha opinião esse é o melhor tributo da série - que inclui ainda Master Of Puppets (Metallica) , The Number of The Beast (Iron Maiden) e Made in Japan (Deep Purple) - de álbuns ao vivo executados na íntegra pela banda de metal progressivo Dream Theater. A maioria dos arranjos originais foram mantidos, com pequenas modificações. O show no geral tem uma ótima qualidade. Melhor só o próprio Pink Floyd, evidentemente.

Ouça:

Brain Damage ; Eclipse ; Time

Miscelânea:

Esta modalidade compreende tributos gravados estúdio em que vários artistas contribuem. simultaneamente. Isto é sem uma banda específica para tocar determinada faixa.

Working Man (1996) [Rush]

Eis um excelente tributo! O Rush influenciou muitas bandas no rock e este tributo prova isso. Dentre alguns dos músicos que participam desse álbum incluem: Sebastian Bach (Skid Row), Eric Martin & Billy Sheehan (Mr. Big), Steve Morse (Deep Purple), Sean Reinert (Cynic), Michael Romeo (Symphony X) e Mike Portnoy (Dream Theater). Apontar os destaques é até uma tarefa injusta/complicada. Acredito que este seja um dos tributos mais injustiçados.

Confira aqui a lista completa.

Ouça:

La Villa Strangiatto ; Jacob's Ladder ; Anthem

Randy Rhoads Tribute (2000) [Randy Rhoads / Ozzy Osbourne]

Uma grande homenagem para um grande guitarrista. Este tributo reune alguns nomes bem interessantes como Dimebag Darrel (Pantera), Sebastian Bach (Skid Row) e George Lynch (ex Dokken) e Joe Lynn Turner (ex- Rainbow), por exemplo. Engloba, por motivos óbvios, apenas a fase de Randy Rhoads com Ozzy Osbourne. Uma pena que seja pouco conhecido, pois temos ótimas versões aqui.

Ouça:

Believer ; Diary Of A Madman ; S.A.T.O.

Tributos tradicionais:

A Tribute to The Four Horsemen (2002) [Metallica]

Lançando em 2002 pela Nuclear Blast este é um dos tributos mais conhecidos ao Metallica. Reunindo nomes como Anthrax, Destruction, In Flames e Dark Tranquility este tributo, apesar de altos e baixos, no geral tem saldo positivo. Sendo bastante recomendado. Em meio a tantos tributos ao Metallica este continua como um de meus favoritos

Ouça:
Destruction - Whiplash ; Anthrax - Phantom Lord ; Primal Fear - Seek and Destroy

A Tribute to Judas Priest: Legends of Metal Vol. II (1996) [Judas Priest]

A segunda edição desse tributo aos britânicos do Judas Priest consegue ser ainda melhor que o primeiro - que já é bom. O Judas influenciou diversas bandas de heavy metal e é homenageado com dignidade aqui. Dentre os artistas que prestaram homenagem inclui-se desde o power metal do Angra, Blind Guardian e Iced Earth a bandas mais agressivas como Kreator, Overkill e Forbidden - o que apenas confirma o quão o Judas foi influente para o estilo

Ouça:
Iced Earth - The Ripper ; Blind Guardian - Beyond The Realms of Death ; Nevermore - Love Bites

A Native in Black (1994) [Black Sabbath]

Esse é um daqueles tributos tido como essencial pela maioria dos apreciadores desse tipo de trabalho. Nomes de peso como Megadeth, Type O Negative, Sepultura, Faith No More e o próprio Ozzy Osbourne talvez justifiquem isso. O que importa é que é um ótimo tributo.

Ouça:

Sepultura - Symptom of the Universe ; Bruce Dickinson - Sabbath Bloody Sabbath ; Faith No More - War Pigs (Live)

Holy Dio (2000) [Dio, Rainbow, Black Sabbath]

Esse é obrigatório. Definitivamente O tributo ao Dio e nenhum outro - ao menos não tão cedo - vai superar este. O álbum tem versões que abrangem quase toda a carreira do vocalista,. Apesar de ter algumas covers descartáveis, o saldo é positivo.

Ouça:

Fates Warning - Sign of the Southern Cross ; Gamma Ray - Long Live Rock N' Roll ; Blind Guardian - Don't Talk To Strangers

Variado:

Pickin' on Lynyrd Skynyrd (1998) [Lynyrd Skynyrd]

Tributo muito interessante e bem feito. Todas as versões são instrumentais e com um lado bluegrass mais a flor da pele, digamos assim. Ou seja, aquele lado mais caipira do rock sulista do Lynyrd Skynyrd fica ainda mais evidente. Prepare-se para muitas gaitas e excelentes arranjos em violão/guitarra.

Ouça:

Freebird

Fica a critério do leitor decidir se gosta ou não dos tributos. Eu pessoalmente gosto muito de de garimpar álbuns desse tipo, mas confesso que sempre sofri em achar tributos de qualidade por conta disso fiz essa seleção. (:

[resenha - álbum] Dr. Sin - Original Sin

2010-11-09T02:11:00.012-03:00

Ano de lançamento: 2009

Exatos 16 anos após a estréia do DR. SIN com o debut - cujo título tem o nome do grupo "emprestado" (Dr. Sin) - o trio paulista lança "Original Sin". Na verdade este lançamento trata-se de um remake de "Dr. Sin" (1993) com a inclusão de duas faixas inéditas ("You're My Love e "Nephelins") - que talvez sejam o principal atrativo para os fãs do grupo.

Infelizmente, no que diz respeito a projeção e promoção musical, o Dr. Sin atingiu seu ápice logo no início da banda, canções como"Emotional Catastrophe" e "You Stole My Heart" fizeram um relativo sucesso, e tiveram seus clipes bastante executados na época - isso sem citar a participação da banda em festivais como Hollywood Rock e Monster of Rock. Um detalhe curioso: muitas das ideias vistas nesse disco foram aproveitadas do que seria o primeiro disco solo de Edu Ardanuy (guitarrista).

As mudanças vistas em "Original Sin" são sutis: a banda não arriscou exagerar nas mudanças dos arranjos originais, as exceções são poucas: como o final de piano da balada "You Stole My Heart" - final este que acrescentou muito, acentuando a belíssima melodia que inspira um dos melhores, senão o melhor, solo de Ardanuy. Fora isso o que nota-se são pequenos detalhes na "acdciniana" música "Dirty Woman", cuja intro está um pouco mais leve; e o evidente peso que canções como "Emotional Catastrophe" ganharam - seu riff inicial é permanece com um dos melhores já compostos por Edu. Pena que o cover para " Have You Ever Seen The Rain" tenha ficado de fora.

Apesar de todos os músicos, sem exceção serem excelentes, Edu Ardanuy (guitarra) se destaca em solos e riffs bastante cativantes - apesar de ser virtuoso sua música não soa piegas -, conseguindo soar ainda melhor que antes. O que ele faz nesse disco é uma lição para muitos guitarristas, principalmente no heavy metal, que em meio a tantos treinos e preocupações com o virtuosismo acabando esquecendo de realmente fazer rock n' roll. Uma das melhores qualidades desse disco, fora as guitarras, são os refrões. Faixas como "Stone Cold Dead", "Valley of Dreams" e "The Fire Burns Cold" evidenciam isto, e aqui, parecem ainda mais grudentos e cantáveis que na versão original. Ótimo trabalho de Andria Busic nos vocais, sempre com boas interpretações.

Antes que os revoltados de plantão ataquem - acusando "Original Sin" de mero caça-níquel -, existe uma razão plausível para justificar tal regravação: o fato do álbum original encontrar-se fora de catálogo e a gravadora antiga não facilitar com a liberação do direito das músicas.

As duas novas faixas são muito boas, em especial "Nephelins" - que é bem hard rock/A.O.R, com um interlúdio instrumental de piano e solos de guitarra. O DR. SIN costuma economizar nas baladas - apesar do debut possuir "Throuh My Window e, a já citada, "You Stole My Heart"-, mas quando o grupo arrisca geralmente sai coisa boa, como em "You're My Love".

Penso que ter tais canções, lapidadas por uma produção atual, seja um ótimo presente para fãs antigos, além de facilitar a divulgação / aceitação de um álbum tão clássico e, as vezes, ignorado para um público novo. Pena que - mesmo com outra oportunidade -, talvez, este trio de músicos tão competentes - e essa obra em especial - não receba a merecida atenção por parte da mídia. Uma pena, pois "Original Sin" / "Dr. Sin" trata-se de um dos melhores álbuns de rock - em sua essência - já concebidos no país, de causar inveja a muito gringo tamanha a qualidade vista.

Pode-se concluir facilmente, caso o ouvinte conheça a versão original, que o grupo tentou - e conseguiu, diga-se de passagem - preservar o espírito presente do debut.

Nota:

Músicas-chave:

"Stone Cold Dead" ; "Emotional Catastrophe" ; "You Stole My Heart"; * "Nephelins"

Formação:

Andria Busic- Vocais / Baixo
Edu Ardanuy - Guitarra
Ivan Busic -Bateria

Tracklist:
1.    Emotional Catastrophe    03:32
2.    Dirty Woman    05:03
3.    Stone Cold Dead    05:28
4.    Howlin' In the Shadows    04:01
5.    The Fire Burns Cold    04:31

6. You Stole My Heart 05:22

7. The Doctor Sin 04:42

8. Valley of Dreams 04:44

09. Lonely World 04:25

10. Through My Window 02:23

11. Scream and Shout 05:27

12. Nephelins 7:04

13. You're My Love 5:24

[resenha - show] Death Angel (Clube Internacional, Recife, 30/10/10)

2010-11-01T12:14:00.032-03:00

Death Angel: A "arte" do thrash metal no Recife

Texto: Thiago Pimentel

Fotos: Valterlir Mendes

Os fãs de metal do Recife - especialmente de thrash metal - não podem mais reclamar da falta de atrações de peso - literalmente - na cidade, afinal este ano já recebemos: Overkill, Megadeth e agora os americanos da Bay Area - tal como as duas bandas anteriores -, do Death Angel. Em meio a vários adjetivos, talvez, "intenso" seja o que melhor resuma o show dos caras. O grupo fez, muito provavelmente, a apresentação mais enérgica e "intensa" do ano.

A abertura ficou por conta dos recifenses do CRUOR - também responsáveis por abrir o show do MEGADETH nesse mesmo ano -, a banda realizou uma apresentação rápida para um público que reservava suas energias para a atração principal. Um detalhe curioso foi o fato de alguns membros do DEATH ANGEL - Ted Aguilar (guitarrista) e Will Carroll (baterista) - aparecerem durante o show do CRUOR para tirar fotos com os fãs e realizar pequenas filmagens. Ambos demonstraram bastante simpatia e simplicidade - muitos não perceberam quando os caras passaram em meio ao público, por exemplo.

30 de Outubro, véspera de eleição, e dia do show dos thrashers do DEATH ANGEL.

Poucos minutos após a abertura uma intro acústica sai dos PAs anunciando a entrada do quinteto norte-americano no palco, que já introduz com a nova "I Choose the Sky", presente no novo álbum da banda (Relentless Retribution). Apesar de sua agressividade e rapidez, a canção não empolgou totalmente o público - para uma música de abertura, obviamente -, a empolgação veio, de fato, com a segunda canção que atende pelo singelo nome de "Evil Priest". Os riffs desse clássico - pertence ao debut da banda - contribuiram paras formação das primeiras rodas de mosh e tentativas (fracassadas) de stage diving - havia uma proteção no palco que impediu a prática. A apresentação seguiu com "Buried Alive", música relativamente recente, e "Voracious Souls" - um dos maiores clássicos da banda que teve seu refrão fácil entoado por boa parte dos presentes.

Nesse ponto a banda realizou sua primeira pausa, aproveitando para saudar - instigar - o público e, logo em seguida emendaram duas músicas recentes: "Relentless Revolution" e "Claws in So Deep". Ambas as canções soaram bem melhores - e mais agressivas- do que em suas versões de estúdio, principalmente a última.

Faço uma ressalva para a competência dos caras no palco, explico: a banda possui uma performance muito similar ao que é encontrado nos álbuns de estúdio - em especial Mark Osegueda (vocalista), que "bangueava" seus gigantes dreads sem parar. É incrível como o cara - ainda - faz com tranquilidade todos aqueles vocais. Ah, ele também foi um dos poucos que acertou a pronúncia do nome da cidade.A partir daí o que se teve foi um desfile de clássicos, músicas como: "Seemingly Endless Time", "Stop" e "3nd Floor" fizeram o tempo passar bem mais rápido. Está última possui um dos refrões mais bacanas da banda - WELCOME TO THE THIRD FLOOR (...) - e na minha opinião, foi uma das mais marcantes do show.

A apresentação seguiu com canções mais recentes, entre as quais incluem-se a rápida "This Hate" e, canções já não tão novas, que marcam o retorno - com o álbum The Art Of Dying (2004) e Killing Season (2008) do DEATH ANGEL - com as faixas "Thrown to the Wolves" e, finalmente, "Lord of Hate". Ambas as músicas foram pontos altos da apresentação, sendo as canções mais reconhecidas - e comemoradas - pelos presentes. Em especial a carismática - dedicada a Saddam Hussein - "Lord of Hate" cujo início foi comemorado desde sua intro acústica. Depois os ânimos diminuiram um pouco e houve espaço para outro clássico: "Falling Sleep" e "Truce" - também do álbum novo - anunciada por Rob Cavestany (guitarrista, vulgo Liu Kang).

Depois de "Truce" houve um intervalo para, o avassalador, encore que estava por vir. Mark Osegueda faz um discurso para o pessoal, em especial a galera do moshpit, e anuncia o clássico "Thrashers". Não precisa nem comentar como os homenageados agradeceram, certo? Houve ainda espaço para "Bored", uma excelente música, mas que diminuiu o ritmo e não foi tão bem recebida como merecia.

A apresentação fechou, insanamente, com "Kill As One", cujo "anúncio" foi feito pela intro da , também clássica e, que infelizmente não foi tocada na íntegra "The Ultra-Violence". Não tem nem o que comentar sobre "Kill As One", talvez o maior clássico do grupo... A canção é puro thrash metal e tem um refrão soberbo. Enfim, "destruiu "o que ainda restava do Internacional. Os músicos foram simpáticos, distribuindo palhetas, baquetas etc. Já não bastasse a apresentação em si, Will Carroll quase "destruiu" um lustre da casa ao jogar uma baqueta para a platéia.

Em suma, uma apresentação impecável. Diria que foi capaz de impressionar até quem desconhecia a discografia dos caras. Um grande mérito foi a ausência de erros, tudo foi perfeitamente executado pelo quinteto.

Depois da apresentação é fácil concluir que um show do DEATH ANGEL é essencial para qualquer fã de thrash metal; fazer comparações com as outras apresentações é sempre perigoso, mas fui a outros shows do gênero - de bandas que eu aprecio mais, inclusive - e nenhum me impressionou tanto como este.

Parabenizo a produção do evento que, depois de várias mudanças no local de apresentação da banda, realizou o concerto sem cogitar - ao menos para o público - a possibilidade do cancelamento do show. Na lista de locais inclue-se: o Armazém 14 - condenado por conta do estado de conservação do teto - e o clube de shows na Ilha do Retiro - cancelado pelo local ser ponto de votação.

Setlist:

01. Intro - I Chose the Sky
02. Evil Priest
03. Buried Alive
04. Voracious Souls
05. Relentless Revolution
06. Claws In So Deep
07. Seemingly Endless Time
08. Stop
09. 3rd Floor
10. This Hate
11. Thrown to the Wolves
12. Lord of Hate
13. Falling Asleep
14. Truce
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15. Thrashers
16. Bored
17. The Ultra-Violence [intro] / Kill as One

Publicado também no site Recife Metal Law [versão diferente com resenha do show do Cruor a parte]